VI y VII CONCIERTOS DE TEMPORADA OFICIAL EN EL MARCO DEL 73 ANIVERSARIO DE LA ORQUESTA SINFÓNICA NACIONAL

La Orquesta Sinfónica Nacional, Patrimonio Cultural de la Nación presenta el VI y VII Conciertos de Temporada Oficial en el marco del 73 ANIVERSARIO DE LA OSN el jueves 27 y 28 de julio en la Gran Sala del Centro Cultural Miguel Ángel Asturias, a las 20:00 horas. Preventa en las oficinas de la OSN, edificio del Conservatorio Nacional de Música, Germán Alcántara, 3era avenida, 4-61, zona 1, entrada por la 5a. calle. Entrada Q 50.00 y Q70.00 Estos dos conciertos estarán bajo la batuta del director invitado Vicente Ariño (España) VI CONCIERTO DE TEMPORADA OFICIAL Repertorio: C.DEBUSSY ____________________ Preludio a la Siesta de un Fauno M.RAVEL _______________________ Alborada del Gracioso IGOR STRAVINSKY__________________ Petrushka VII CONCIERTO DE TEMPORADA OFICIAL Repertorio: ELGAR __________________________________ Variaciones Enigma M.RAVEL Suite No. 2_______________________ Daphnis et Chloé Hoja de vida artística Director invitado VICENTE ARIÑO PELLICER Natural de Zaragoza, es licenciado en las especialidades de Música de Cámara, Dirección de Orquesta y Piano en los Conservatorios Superiores de Madrid y Valencia, con Mención de Honor. Una beca del Ministerio de Cultura de España le permite realizar los estudios de postgrado de dirección de orquesta en Italia. Como pianista, galardonado con Mención de Honor en el Concurso Internacional de Juventudes Musicales en Lisboa, y músico de cámara. Posee una amplia trayectoria de más de 25 años que le ha permitido actuar desde el Concert Hall de Shanghái o el Mirato Miral Hall de Yokohama a la Sala George Enescu de Bucarest invitado por la UNESCO, el Auditorio Villa Louvigny de Luxemburgo o la Emmanuel Hall de San Francisco, así como en Argentina, Chile, Uruguay, Gran Bretaña, Portugal, Francia, Italia, Holanda, Corea del Sur, China, Japón, EEUU y Canadá. Recientemente ha grabado el Op. 38 de Richard Strauss Enoch Arden por primera vez íntegro en español y las Doce Danzas Españolas de Granados. Como director ha dirigido diversas orquestas tanto en Europa como en Asia, África y América: Camerata Fiorentina, Orquesta Sinfolario ( Festival del Lago de Como,) Orquesta Filarmónica de Calabria , Italia. Orquesta Filarmónica de Timissoara Rumanía en gira por Francia, Orquesta Filarmónica de Szeged, Hungría. Euro Sinfonietta Orquesta de Viena con la que actúa anualmente en el ciclo Novomatic Forum de Viena. Orquesta Academica de Lviv, Ucrania Orquesta Filarmónica de Harkov , Ucrania ( con el ciclo de las cuatro sinfonías de Brahms ). Orquesta Filarmónica de Karsnoyarsk , Rusia Bashket Symphomic Orchestra de Ankara, Turquía Orquesta Filarmónica de la Opera del Cairo (con el estreno para el continente del concierto para piano de Ginastera en su centenario). Siendo invitado a volver en 2017. Orquesta Nacional de Lima, Perú Orquesta de Piura y Cuzco, Perú Orquesta Sinfónica del Estado de México (OSEM) en varias ocasiones. Orquesta Nacional de Guatemala en diversas ediciones de su temporada. Es requerido para colaborar con jóvenes orquestas tanto en el continente americano, europeo o en África, como en los talleres musicales que está desarrollando en la escuela “Echos del Sahel” en el África Subsahariana. Profesor Numerario de Música de Cámara del Cuerpo de Profesores de Música y Artes Escénicas por oposición en el conservatorio de Alcalá de Henares . Ha impartido Master Class en las Universidades de Tulane (Nueva Orleáns), Universidad de Clermont (Los Ángeles) y en la Universidad Central de Pekín. Realiza programas de divulgación musical de enorme éxito en las radios Cadena Ser Henares y Onda Cero Henares. Ha dedicado 21 de sus más de 25 años de actividad profesional a crear, consolidar e incrementar el proyecto musical que desarrolla la Fundación “Orquesta Ciudad de Alcalá” para la ciudad en sus tres secciones la cual fundó en 1995; destacando el concierto que realizó al frente de la Orquesta Ciudad de Alcalá en Nueva York en 2004 y en San Petersburgo en 2012 en los actos conmemorativos del 150 aniversario de conservatorio Rymsky-Korsakov representando a España. Biografía PRISCILLA STELLER, solita invitada en el arpa (Costa Rica) Arpista costarricense. Estudió bajo la tutela de la profesora M.Sc.Ruth Garita en el Instituto Nacional de Música de Costa Rica. Ha participado y tocado en la Orquesta Sinfónica Juvenil Centroamericana OJCA (Costa Rica 2009 y el Salvador 2012), “Young Artist’s Harp Seminar” (2007, Georgia, Estados Unidos), 10mo y 11vo Congreso Mundial de Arpa (2008 y 2011 en Amsterdam, Holanda y Vancouver, Canadá respectivamente) donde fue parte de la agrupación de arpas más grande del mundo para un Record Guiness, Festival de Arpa (2009, México D.F) y el Festival de Música de Santa Catarina (FEMUSC, Brasil, 2010). Recibió una mención honorífica en el concurso “Jóvenes Solistas 2007” de Costa Rica. Tocó como segunda arpista junto a la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica en la temporada 2010 (X y XI conciertos). Ha tocado junto a grupos de renombre internacional en el ámbito popular como Nestor Torres, Jairo, Il Divo y Christopher Cross. Participó dos veces en Honduras junto a la orquesta local, estrenando música del compositor Nestor Llamazares (de la cual fue solista) y Walther Acevedo. También fue parte, junto a la Orquesta Sinfónica Nacional de Panamá y el director italiano Elio Orciuolo, del montaje de la ópera Aïda. En Guatemala, tocó y grabó junto al tenor Mario Chang. Fue la arpista principal de la Orquesta Sinfónica de Heredia (solista en el 2010), con quienes fue parte de la grabación de tres discos compactos; además, fue arpista principal de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Costa Rica, la Orquesta Filarmónica de Costa Rica (grabación de un disco) y la Orquesta Sinfónica de Cartago, hasta finales del 2013. Ha estrenado y grabado diferentes composiciones originales tanto de artistas costarricenses, como salvadoreños. Actualmente es la arpista principal de la Orquesta Sinfónica de El Salvador, con la cual se presentó como solista para el V concierto de la temporada 2014. Colabora como mediadora educativa y miembro de la Orquesta Cristiana de El Salvador. Como docente, imparte clases privadas de piano, teoría y arpa a estudiantes de diversas edades. Es parte, junto a su esposo el compositor y clarinetista Josué Viera, del dúo Kyr. www.musicakyr.com La "Belle époque" y la modernidad musical: sutileza y brío sonoro Notas del programa por Vicente Ariño Pellicer Ningún proceso artístico o producción creativa puede desligarse del devenir histórico del ser humano en sus diferentes interacciones como proceso civilizador que engloba tanto lo económico, político, social, artístico y científico. Los dos programas de concierto que les presenta la Orquesta Nacional de Guatemala quiere acercarles la visión sonora de un mundo en progreso antes de la conflagración de la gran guerra. Belle Époque o La Belle Époque (en español: Época bella) es una expresión nacida antes incluso de la gran guerra para identificar ese periodo histórico que abarca desde la guerra Franco-Prusiana de 1870 hasta la guerra del catorce. Cinco décadas largas donde la expansión del imperialismo fomentado en el capitalismo abrazado al progreso tecnológico, basado en la ciencia y el progreso como benefactora de la humanidad a través de nuevos descubrimientos influyeron en la forma de vida. Belle Époque, describe una época en que las transformaciones económicas y culturales que generaba la tecnología influían en todas las capas de la población y también este nombre (belle époque), responde en parte a una visión nostálgica que tendía a embellecer el pasado europeo anterior a 1914 como un paraíso perdido tras el salvaje trauma de la Primera Guerra Mundial. Un paraíso perdido de paz y prosperidad que todo el siglo XIX había alimentado desde que finalizaron las guerras napoleónicas que asolaron todo el continente europeo y que el tratado de paz de Viena puso fin y principio a un periodo de prosperidad social en todos los aspectos humanos incluido el arte. De todas las disciplinas artísticas, tal vez la música, fuese la más beneficiada. Entender y poder disfrutar de los dos programas de concierto que les presentamos hoy requieren de situarlos en su contexto histórico dónde las exposiciones universales realizadas en París en los años 1889 y 1900 son los símbolos de la Belle Époque, por su insistencia en la promoción del progreso científico y por atraer la atención a nivel realmente mundial. “La sutileza y el brío sonoro”, segunda parte del enunciado del título de estas notas al programa, surge en el papel pautado de los compositores como un reflejo del mundo actual y de las corrientes musicales del momento. Una verdadera escuela musical francesa había surgido tras la guerra Franco Prusiana del 1870. Sus dos creadores musicales más relevantes serían Ravel y Debussy. Hoy tienen la oportunidad de escuchar Preludio, Interludio y Paráfrasis final para la siesta de un Fauno que se interpretó por primera vez en un concierto exclusivamente de música de Debussy en marzo de 1894 en Bruselas y que hoy se conoce como “Preludio a la siesta de un Fauno”. Aunque realmente más que un preludio es un poema sinfónico, pero tan alejado de la concepción que acuñase Liszt, que cuando el poeta simbolista Mallarmé en cuyo poema se inspiró Debussy para ponerle música lo escuchó, exclamo: “¡no esperaba nada de este tipo!”. Un tiempo después el poeta escribió a Debussy: “Su ilustración de La Siesta de un Fauno no presenta ninguna disonancia en mi texto, excepto para ir más allá, y penetrar la nostalgia y la luz, con finura, con desazón, con riqueza”. A finales del siglo XIX Debussy con esta obra había abierto la emancipación de la disonancia como fuente de realización musical consustancial al proceso creativo. Una tendencia que estaría presente hasta la Gran Guerra y que tras la Primera Guerra Mundial eclosionaría. Una modernidad de La Belle époque que se aglutinaba en nuevos foros y espacios de distracción para el debate político e intelectual. Cafés, clubes como del que formó parte Ravel bajo el nombre de Le club des Apaches (nombre de la jerga callejera parisina del momento que quiere decir: “mocetones pendencieros”. Grupo intelectual que tenía en el Pelléas et Mélisande de Debussy su referente de admiración y a Wagner cuyas operas eran tremendamente populares en el París del momento como el foco de sus críticas. “Los apaches” tenían reuniones semanales, asistían juntos a los conciertos e incluso alquilaron una cabaña para hacer música hasta altas horas de la madrugada. En 1905 Ravel escribió cinco piezas para piano bajo el título de “Miroirs”, espejos que dedicada a cada uno de los miembros diferentes de Los Apaches. Alborada del gracioso está dedicada al crítico Cavocoressi. Fue orquestada por Ravel años después de que el grupo se hubiese disuelto y fue estrenada por el pianista español Ricardo Viñes quien dio nombre al grupo. Pero, dicho de otro modo; el título la alborada del gracioso significa: “Serenata Matinal del Bufón”. En la comedia española, un gracioso es un bufón similar al tonto de las obras de Shakespeare. Este bufón ayudaba a los músicos a interpretar una alborada, que no es más que una serenata que un enamorado daba a su enamorada todavía dormida esta, al amanecer. La modernidad social, con sus exposiciones universales o parques de atracciones, la aparición de la moda, la sociedad del ocio y el entretenimiento junto a la modernidad científica e intelectual a través de los medios de locomoción se hacía patente en La Belle époque como una sociedad segura, próspera y feliz. La sutileza de esta época histórica se había colado en el arte musical gracias a la sutileza sonora de compositores como Ravel y Debussy y el brío sonoro de esta sociedad que empezaba a acostumbrase al ruido continuo de la ciudad moderna y bulliciosa como Paris y Londres, con nuevos sonidos como el de las nuevas máquinas que estimularon nuevos bríos sonoros en la orquesta que Stravisnsky supo emular. Stravinsky une su carrera a Paris cuando viaja a la capital francesa para presentar el primero de sus tres grandes ballets El pájaro de fuego en 1910, al año siguiente presentaría Petrushka y con él su fuerte énfasis bitonal para llegar finalmente a la salvaje disonancia polifónica de la consagración de la primavera en 1913. El brío sonoro que forma parte del título de estas notas al programa aparece en el concierto de manos de Petrushka. Petrushka es una marioneta de paja y serrín tradicional rusa de carácter bufo y burlón, lo que en el mundo latino equivaldría al Polinchinela que cobra vida y desarrolla la capacidad de sentir como Pinocho. Stravinsky nos trae los sonidos de la modernidad en esta partitura, los sonidos de las ferias, de los parques de atracciones, el ruido de las calles y de los mecanos y autómatas: los nuevos juguetes de los niños de La Belle époque y nos anuncia el barbarismo sonoro del futuro más allá de la gran guerra. Cuenta Stravinsky en su autobiografía: “antes de encarar la consagración de la Primavera, quise refrescarme componiendo una pieza orquestal en la que el piano desempeñara la parte más importante. Al componer la música, tenía en mente la clara imagen de un títere al que súbitamente se le confiere vida, exasperando la paciencia de la orquesta con cascadas diabólicas de arpegios. La orquesta a su vez toma represalias con amenazadores estallidos de trompetas. El resultado es un ruido terrible que alcanza su clímax y finaliza con el lamentable y quejoso colapso del pobre títere. Después de terminar esta pieza extraña, luché durante horas, mientras caminaba junto al lago de Ginebra, para encontrar un título que expresara en una palabra el carácter de mi música y en consecuencia la personalidad de esta criatura. Un día salté de alegría. Había encontrado finalmente mi título: Petrushka, el héroe inmortal y desdichado de todas las ferias de todos los países.” Con Petrushka la modernidad había eclosionado, sus consecuencias estaban en ciernes. La consecución de crisis militares en los amplios territorios imperiales de las grandes potencias del momento, Inglaterra, Francia, Alemania y Rusia se sucedían año tras año en una demostración de fuerza tecnológica de su industria militar que desembocaría en la guerra del catorce. A la ‘par’, una modernidad musical se sucedía en el mundo musical. Como si la época feliz de La Belle époque no sirviese a las modernas sociedades del momento. Si los tres ballets de Stravisnky: el Pájaro de Fuego 1911, Petrushka 1912 y La consagración de la Primavera 1913, invitaban a la ruptura de la tradición sonora tanto tonal como modal que había dominado la música europea durante los últimos cinco siglos y esta debiese de llegar a su final. Preludio de estos tres años de vértigo en la creación musical que encarna Stravisnky está la fecha de 1909 año de la controvertida opera Elektra de Strauss, año en el que Schonberg estaba componiendo en Viena su primera música sin centro tonal, en Italia se publicaba el primer manifiesto futurista y Francia experimentaba su primer contacto con los revolucionarios ballets de la compañía de danza rusa de Diaghilev. En nuestro dual programa que bajo el nombre de sutiliza y brío representa la modernidad de La Belle époque, vuelve aparecer Ravel para trasladar la sutileza a su obra más extensa. Su ballet de una hora Daphnis et Cloé que empezaría en 1909 y estrenada esta segunda suite que hoy les presentamos en 1913, un año antes de la gran guerra y el mismo año donde la barbarie sonora de Stravinsky irrumpe en el panorama musical con su consagración. Ravel abraza todo ese periodo de precipitación histórica con las sonoridades más sensuales, etéreas y bucólicas de toda la historia de la música. “Cuando lo escribí , mi intención era componer un gran fresco, menos parecido con la antigüedad que con la Grecia de mis sueños”. Nadie como Ravel para esta historia griega del siglo III que trata del amor y la relación delicadamente erótica entre un cabrero y una pastora. Daphnis exige una orquesta enorme y un coro que cante sin palabras. Girar esta obra era costoso. Ravel obligó a Diaghilev mediante contrato que cada vez que se hiciese el Ballet completo en una gran ciudad debía de haber coro. Cosa que Diaghilev omitió en la presentación de la obra en Londres en 1914. Londres es el final de nuestro viaje musical a través de un periodo histórico donde la modernidad se plasmó en todos los conceptos y a cuyo influjo no pudo sustraerse el arte y menos la música en un tiempo feliz, apacible; el de La Belle époque . Allí, en las islas tras muchos años sin un compositor nacional propio desde Purcell surge Elgar. A diferencia de nuestros anteriores compositores cerramos estos dos sendos programas que la Orquesta Nacional de Guatemala les ofrece en estos dos días ininterrumpidos de modernidad musical con un compositor extraño a su propio país y que sin embargo encarnaría el espíritu más patriótico del mismo. Las influencias musicales en Elgar no provenían de Inglaterra, sino de la Europa continental. Se sentía un extraño tanto musical como socialmente. Los círculos musicales estaban dominados por sectores académicos y él era un compositor autodidacta, en la Gran Bretaña protestante su catolicismo era visto con recelo en ciertos sectores; y en la clasista sociedad británica victoriana y eduardiana, ya que Elgar era muy sensible a sus orígenes humildes, incluso después de lograr reconocimiento. Sus variaciones sobre un tema original representan ese mundo feliz y apacible. En esta obra del programa dual que estamos interpretando en estos dos días seguidos nos encontramos hoy con las postrimerías del romanticismo decimonónico que daría paso a todo un posromanticismo musical que conviviría toda la primera mitad del siglo XX con las vanguardias que la modernidad sonora había anunciado durante La Belle époque. Las Variaciones Enigma llevan dentro de sí tres acertijos. La primera son las iniciales de cada variación que anuncian un personaje amigo del propio autor. Primer enigma resuelto si sabemos quién es el personaje. Segundo enigma el tema que da pie a las variaciones de quien es; si es original como reza el título, o no. El compositor se lo contó solo a tres personas el secreto, quienes se lo llevaron a la tumba. En las notas para el programa de mano del estreno (como las que hoy se presentan aquí), Elgar dijo: “no explicaré el enigma, su ‘oscuro decir’ debe de permanecer imaginado y les advierto que la aparente conexión entre las variaciones y el tema a menudo es de la textura más sutil; además a través y por encima de todo conjunto ‘va’ otro tema más grande, pero no se ejecuta…de manera que el tema principal nunca aparece”. Desde entonces musicólogos, estudiosos y público en general se han estado preguntando por la entidad del tema del enigma. Elgar admitió: “el tema es tan famoso que me extraña que nadie lo haya descubierto”. Así que una veda se abrió, con musicólogos buscando coincidir en contrapunto tal vez, famosas melodías desde Wagner hasta Chopin; incluso canciones populares como God Save the Queen, pero nada se encontró como prueba irrefutable. Segundo enigma hasta la fecha no desentrañado y un tercer enigma subyace. Puesto que el compositor revelo al menos las iniciales del personaje que hay detrás de cada tema, ¿cuál es exactamente el significado del tema? Elgar reconoció al final que detrás del tema estaba él. Su biógrafo traslada que las cuatro primeras notas de apertura del tema corresponden con las sílabas ‘Edward El-gar’. Pero tampoco este tercer enigma es al día de hoy definitivamente confirmado. A pesar que Elgar en su obra posterior Los Hacederos de Música cita este tema para ilustrar la soledad del artista. La soledad del artista que tras un periodo brillante del progreso humano interrumpiría en la sociedad con la I Guerra Mundial y cuyas consecuencias un siglo después seguimos padeciendo. Sendos conciertos son para acercarles a ustedes melómanos, la música como palanca del cambio y el progreso humano en busca de nuevas metas para satisfacer el momento histórico y de realización personal a través de las emociones humanas ejemplificadas en los movimientos artísticos. Esperando que sendas propuestas de concierto bajo el título La "Belle époque" y la modernidad musical: sutileza y brío sonoro de estos programas de concierto que aparte de ser histórico pretende ser evocador, y por lo tanto, le pueda acercar a aquel momento histórico. Lo que se pretende es crear persuasiones sonoras bajo el flujo de la historia, más que descripciones del proceso creador como un ramillete de hechos. Influir en su sensibilidad como agente apreciador de la música, como un aglutinante general del devenir de la humanidad y no como un elemento humano. Si esta nota al programa le sirve de guía y el programa en sí de estímulo intelectual en todas sus acepciones habrá sido el objeto de estas notas al programa, de las obras que ilustran dichas notas que interpreta para ustedes su Orquesta Sinfónica Nacional junto a este director invitado.