L’ELISIR D’AMORE SE PRESENTARÁ EN EL TEATRO NACIONAL

Esta magnífica ópera se produce a beneficio de los programas de alfabetización de la Fundación Ramiro Castillo Love Guatemala, 30 de marzo de 2017.- L’Elisir D’Amore es una ópera cómica en dos actos del compositor italiano Gaetano Donizetti. El libreto fue escrito en italiano por Felice Romani, basado en el libreto Le philtre (1831) de Eugène Scribe para la ópera de Daniel-François Auber. Es una de las óperas más frecuentemente interpretadas de todas las de Donizetti y hay buen número de grabaciones. El número musical más conocido de la ópera es el aria 'Una furtiva lágrima'. La producción está a cargo de Querido Arte (compañía de ópera de Mario Chang y María José Morales), con vestuarios y escenografías de época. La obra será presentada al público el jueves 25 y sábado 27 de mayo en la Sala ‘Efraín Recinos’ del Teatro Nacional del Centro Cultural Miguel Ángel Asturias. Las entradas podrán adquirirse próximamente en Todoticket. Los precios son: Platea Q 550.00; balcón I / delantero Q 400.00; balcón I / trasero Q 350.00; palco inferior Q 350.00; balcón II Q 275.00 y palco superior Q 250.00. Los clientes que compren sus boletos con tarjetas de crédito o débito VISA de Banco Industrial obtendrán un 10% de descuento. Los patrocinadores son Banco Industrial, Cervecería Centroamericana y Claro. Se cuenta con el copatrocinio de Prensa Libre, Visa, Cementos Progreso, The Westin Camino Real y Canales 3 y 7. Argumento y detalles técnicos Los papeles serán interpretados por un elenco nacional e internacional encabezados por el tenor guatemalteco Mario Chang, quien el año pasado debutó en el Metropolitan de Nueva York (MET) interpretando a Nemorino en el Elisir D’Amore y es triple ganador en los concursos Operalia de Plácido Domingo 2014 y Francisco Viñas en el Liceu de Barcelona 2011. Mario hizo su debut en Guatemala con la ópera Rigoletto en 2016 con el rol de El Duque de Mantua. Este año hará su segundo rol protagónico en el país precisamente con Nemorino de L'Elisir D'Amore'. Mario es director artístico de Querido Arte. Participará también la soprano guatemalteca María José Morales (Medalla Artista del Año 2015, Gala Montserrat Caballé en Zaragoza España 2015) quien también hizo su debut en Guatemala como Gilda en Rigoletto el año pasado y quien es la productora y directora ejecutiva de Querido Arte. Este año interpretará el rol protagónico de Adina en este 'L'Elisir D'Amore'. Completan el elenco el bajo Steven Condy (USA) como Dulcamara, el barítono Gustavo Feulien como Belcore, la soprano guatemalteca Pamela Morales como Gianetta, Mario Chang como Nemorino y María José Morales como Adina. El resto del elenco, staff, coro y orquesta estará conformado por artistas guatemaltecos, que serán dirigidos por el maestro Nimrod Pfeffer (director asistente del maestro James Levine en el Metropolitan Ópera / MET) y en la dirección escénica Joshua Major (Canadá / USA), coaching vocal por el maestro centroamericano Bernardo Villalobos y diseño de iluminación por Michael Cunningham (USA). Apoyo a la Fundación Ramiro Castillo Love El objetivo primordial de la realización de L’Elisir D’Amore es la recaudación de fondos a beneficio de los programas de alfabetización de Fundación Ramiro Castillo Love, en el área rural. Durante 24 años de labores ininterrumpidas, Fundación Ramiro Castillo Love ha brindado atención educativa a más de 444,339 guatemaltecos: en su mayoría niños en sobreedad, jóvenes y mujeres del área rural. Este es un logro compartido, gracias al generoso apoyo de empresas y personas que se han identificado con el objetivo primordial: contribuir a reducir los índices de analfabetismo en los lugares de Guatemala donde brindamos nuestros servicios. En 2017 el proceso de alfabetización se organiza en 33 municipios de los departamentos de Chiquimula, Jalapa, Sacatepéquez, Sololá y Totonicapán. Se apoya la labor de cerca de 928 docentes a quienes se les brinda bolsas de material didáctico, así como visitas de orientación, supervisión y capacitación técnica, y se subsidia la contratación de 273 de estos educadores. Este año la meta es poder atender a 20,160 educandos en sus dos programas educativos. Todos los estudiantes han recibido y están recibiendo sus correspondientes dotaciones de libros de texto y útiles escolares, por medio de nuestros programas Me Educo y ABCero Analfabetismo. Como parte de la integralidad de los programas se contribuye con el equipamiento de aproximadamente 20 laboratorios de computación, con los que se brindará a los participantes la oportunidad de tomar un curso de alfabetización informática. Por medio de este curso se introduce a los estudiantes al mundo de la computación, con el fin de mejorar sus competencias laborales y productividad. Por medio de la integralidad de nuestros programas, pretendemos que nuestros educandos tengan mejores herramientas para la vida, con las destrezas aprendidas en la lectoescritura y otras materias, que les permita cursar el equivalente a su primaria, dentro de un sistema de educación no formal. Y, con ello, afianzar su autoestima y su calidad de vida, al obtener mejores ingresos con la educación recibida. ¡Porque la educación cambiará mi futuro y el de mi país! El sol de la costa y el trabajo duro, han hecho de Justo Chiquitó un hombre firme. Lo único que lo traiciona son sus sentimientos a flor de piel. El ser arrecho, inventivo y shute lo convierte en hijo predilecto de Tiquisate. .

EXPOSICIONES: RESILIENCIA / ULTRAVIOLETA EN GALERÍA DEL CENTRO DE FUNDACIÓN G&T CONTINENTAL

Guatemala, 8 de mayo de 2017. Una nueva generación de jóvenes que va más allá de lo estético y se ocupa de contextos que pueden ser comunes: Marinés explora la transformación de las adversidades en oportunidades y Emiliano presenta lo que no se percibe a simple vista. Sobre las muestras: RESILIENCIA / Marinés Lacayo Henry Resiliencia es la capacidad de superar eventos traumáticos o adversidades y convertirlos en una fuerza para salir adelante. De eso trata esta muestra. Resiliencia es el resultado de transformar estas duras experiencias en una vida plena, positiva y extraordinaria. La muestra está integrada por obras de varias series que cuentan parte de la historia de Milah la artista, abriéndose al público sin prejuicio alguno; jugando con números escondidos, fechas clave, palabras, símbolos y experiencias de vida, plasmándolos en elementos de la naturaleza, siendo sus preferidos los animales. UltraVioleta / Emiliano Manuel Lo que no podemos ver, lo que nos impiden ver, lo que nos incomoda ver, lo que nos duele ver, lo que no queremos ver, lo que se vuelve normal ver. La radiación ultravioleta es una porción del espectro electromagnético, que por razones evolutivas se volvió invisible al ojo humano. Nunca recuperamos la capacidad para percibirla. Esta muestra reúne solo algunos de esos fenómenos que suceden tan cerca de nuestras pupilas, y parecen no ser percibidos, como si fueran parte del espectro ultravioleta. Sobre los artistas Marinés Lacayo Henry (MILAH) (Guatemala, 1987). Autodidacta, su carrera artística inicia recientemente en 2015 y se dedica por completo al arte en 2016. Ha realizado cinco murales, participado en exposiciones colectivas con más de 100 obras, en distintas técnicas con especialidad en tinta china. Resiliencia es su primera exposición individual y en la que utiliza colores en tinta china, acuarela y acrílico. Emiliano Manuel (Guatemala, 1997) Joven con corazón de niño que sufre de pasión crónica. Por influencia de su madre, tomó el lápiz a los dos años y no lo ha soltado; desde los 12 años de edad experimenta y crea sus propias obras. Las múltiples tendencias de su obra se evidencian en las figuras pobladas por pequeños asentamientos de ideas. Emiliano se considera de corazón hiperrealista y de paleta fauvista. Si bien la estética de su obra es figurativa, el protagonismo lo tienen los conceptos que transmite a través de personajes. Tiene especial fijación por la acuarela, el acrílico sobre madera y el mural. Es autodidacta y colabora con otros artistas como gestor y promotor desde su plataforma de arte emergente, VAHO.

¡Regresan las noches de teatro a Restaurantes Los Cebollines! con la divertida comedia…

“UNA PAREJA DE TRES” de Jorge Ramírez Guatemala, 26 de julio 2017. Restaurante Los Cebollines presentó el día de hoy la obra de teatro, “Una Pareja de Tres” una divertida comedia del reconocido actor Jorge Ramírez, una más que se suma a la cartelera que se presenta en el teatro de Los Cebollines. La alegría y el sabor mexicano se disfrutan con la familia y amigos en Restaurantes Los Cebollines, donde su principal objetivo es brindarles un agradable tiempo para compartir y por ello se organizan actividades que les permitan salir de la rutina disfrutando su comida mexicana favorita. Esta divertida comedia se presenta en el Teatro del Restaurante Los Cebollines ubicado en Galerías Primma, zona 7 (Calzada Roosevelt) los días viernes y sábado a partir de las 8:30 PM, con un costo por persona de Q.75.00 “Invitamos a todos nuestros clientes y amigos a disfrutar esta divertida comedia y a degustar los deliciosos platillos que Restaurantes Los Cebollines preparan con recetas especiales de la cocina mexicana, estamos seguros que disfrutarán un ambiente lleno de carcajadas, alegría y sabor”, concluyó Cosette Figueroa, Gerente de Mercadeo de Grupo Gala. “Una pareja de tres”, es una obra en la cual se cuenta con la participación de los actores guatemaltecos: Andrea Boteo, Julio Canel, Rodolfo Romero y Jorge Ramírez. Personajes: María José: A pesar de las limitaciones del pasado, María José ha encontrado la felicidad viviendo en las cercanías del Volcán de Pacaya. Sin embargo su destino está escrito con mano ajena pues, como los cobradores, hay fantasmas que la persiguen.

73 aniversario de la Orquesta Sinfónica Nacional, Patrimonio Cultural de la Nación

Fue fundada en 1936, por el presidente de esa época, General de División, Jorge Ubico Castañeda. En ese entonces se conoció como Orquesta Liberal Progresista. Pertenecía al entonces llamado Ministerio de la Guerra, hoy Ministerio de la Defensa Nacional y fue utilizada principalmente para la apertura de las giras presidenciales, actos cívicos, protocolarios y religiosos. Por ello se toma como fecha de fundación el 11 de julio de 1944 ya que por Acuerdo Presidencial suscrito por el Primer Designado a la Presidencia de la República, general Federico Ponce Vaides, decretó que a partir de la presente fecha, la Orquesta Progresista se llamaría ORQUESTA SINFÓNICA NACIONAL, época en la que tuvo lugar la Revolución de octubre y su primera participación fue el 28 de junio de 1946. Inició como parte del Ministerio de Comunicaciones y Obras Públicas. En 1947 pasó a formar parte de Dirección General de Bellas Artes del Ministerio de Educación. Su primer director maestro Andrés Archila, a quién sucedieron los maestros José María Franco Gil, Ricardo del Carmen y Jorge Sarmientos, entre otros. El 28 de noviembre de 1981, por medio del Decreto 80-91, del Honorable Congreso de la República, fue declarada PATRIMONIO CULTURAL DE LA NACIÓN. Actualmente pertenece a la Dirección General de las Artes, del Ministerio de Cultura y Deportes. El repertorio de la Orquesta Sinfónica Nacional lo conforman obras de compositores nacionales. También forman parte de este repertorio, la música de compositores internacionales, de todos los géneros y todas las épocas. Dentro de sus múltiples actividades, la Orquesta Sinfónica Nacional ha desarrollado numerosas temporadas sinfónicas, con directores y solistas de gran trayectoria. En el 2003, a través del Acuerdo Gubernativo 372-2003, fue aprobado el reglamento del Consejo Directivo de la Orquesta Sinfónica Nacional, por medio del cual se determina la forma de constitución y su funcionamiento, teniendo como fin deliberar y definir la planificación y políticas de trabajo, a corto, mediano y largo plazo, para el buen orden y desarrollo de las actividades. Este Consejo Directivo se integra con la participación de 3 representantes de los integrantes de la Orquesta Sinfónica Nacional, el administrador general del Ministerio de Cultura y Deportes, el director del Conservatorio Nacional de Música y el director general de las Artes. En la actualidad La OSN se presenta regularmente en el Gran Teatro Nacional, además de ofrecer conciertos didácticos en diversos lugares del país. Por ello, organiza conciertos descentralizados que se realizan en las zonas periféricas. Estos conciertos tienen el objetivo de difundir este arte no sólo al público aficionado, sino al público en general, en especial a los más jóvenes, y sobretodo, sin importar su condición social. La Orquesta Sinfónica Nacional está bajo la dirección de su Consejo Directivo, el cual es electo cada año por los maestros que conforma la OSN, en 2017 su presidente actual es el licenciado, Gabriel Yela, vicepresidente, el maestro, Carlos Galdámez y Secretario, el licenciado Estuardo Gómez. Las actividades de la OSN Guatemala, se rigen tomando en cuenta su visión y misión Visión: Ser una institución gubernamental moderna, eficiente, eficaz, rectora y articuladora del desarrollo de las culturas del país y que contribuye al fomento de la actividad deportiva y recreativa. Implementa políticas públicas pluriculturales que responden a lo establecido en la legislación nacional e internacional ratificada y en el Plan Nacional de Desarrollo Cultural a largo plazo. Su accionar está orientado al fomento de la cultura de paz, al fortalecimiento de las entidades guatemaltecas y a la consolidación de un Estado pluricultural, multicultural, multiétnico y multilingüe. Misión: Reconocemos y valoramos la diversidad humana, cultural y natural, para el fomento de la multiculturalidad e interculturalidad en la unidad, mediante la protección, promoción y divulgación de los valores y manifestaciones de los pueblos que conforman el Estado guatemalteco. Contribuimos a que los guatemaltecos tengan una mejor calidad de vida a través de una institucionalidad sólida y mediante mecanismos de desconcentración, descentralización, articulación, transparencia y participación ciudadana. TEMPORADAS DE LA ORQUESTA SINFÓNICA NACIONAL a) Temporada escolar: conciertos dirigidos a los alumnos de todos los niveles educativos de los establecimientos públicos y privados, tanto en la ciudad capital como en los departamentos del país. b) Temporada popular: conciertos dirigidos a los sectores populares, con programas accesibles a la población, que se coordinarán con entidades como las municipalidades, comités de barrios y/o asociaciones civiles y culturales. c) Temporada departamental: presentación de conciertos en diversos departamentos, los cuales son dirigidos a la población en general. d) Temporada universitaria: conciertos dirigidos a estudiantes universitarios para contribuir a su formación integral. e) Temporada Oficial: conciertos en los cuales se interpreta repertorio sinfónico de los grandes compositores, los cuales son de alto nivel técnico, y se cuenta con la participación de solistas y/o directores nacionales e internacionales. f) Temporada interinstitucional: conciertos dirigidos a trabajadores de las instituciones del Estado. g) Temporada navideña: serie de conciertos alusivos al espíritu navideño y al mensaje de paz y reconciliación nacional. h) Temporada extraordinaria: presentaciones que realiza la OSN dirigidas al público en general, con motivo de acontecimientos especiales o de relevancia nacional. i) Temporada internacional: giras al exterior del país para proyectar la cultura nacional, a través de la presentación de conciertos sinfónicos en los cuales se incluirán obras musicales de compositores guatemaltecos y del repertorio internacional. j) Temporada de música de cámara: temporada en la cual se interpretan obras escritas para el género de música de cámara, es decir para un grupo pequeño de músicos. IV CONCIERTO DE TEMPORADA NACIONAL EN EL MARCO DEL 73 ANIVERSARIO DE LA ORQUESTA SINFÓNICA NACIONAL La Orquesta Sinfónica Nacional presenta su IV Concierto de Temporada Nacional, en el marco del 73 aniversario de la Orquesta Sinfónica Nacional, Patrimonio Cultural de la Nación y entidad del Ministerio de Cultura y Deportes, en el auditorio del Conservatorio Nacional de Música Germán Alcántara, el jueves 6 de julio de 2017 a las 19:00 horas. Entrada Q30.00 Reventa en las oficinas de la Orquesta Sinfónica, 3era avenida, 4-61 zona 1, de 10:00 a 16:00 horas, entrada por la 5ª. calle. Director invitado Ricardo del Carmen Fortuny y Solista invitado en el Oboe, Fielding Roldán. Repertorio: - Obertura Holandés Errante Richard Wagner - Concierto para Oboe y Orquesta Richard Strauss - Sinfonía Inconclusa Franz Schubert Director invitado Ricardo Del Carmen Fortuny Nació en la ciudad de Guatemala, el 2 de octubre de 1969. Realizó sus estudios musicales de Violoncello en el Conservatorio Nacional de Música de Guatemala, bajo la tutela del eminente Maestro Eduardo Ortiz Lara, habiéndose graduado en 1988. Desde 1991 hasta la fecha es miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala en calidad de Violoncellista Asistente de Principal. En 1991 y 1992 fue integrante de la Orquesta Sinfónica Centroamericana en Honduras y Costa Rica. Desde 1992 hasta la fecha es Catedrático del Conservatorio Nacional de Música de Guatemala, donde ha impartido clases de Violoncello, Música de Cámara, Práctica Coral, Historia de la Música y Folklore. Es importante destacar que ha tenido importantes proyectos a su cargo, como lo fue en 2005 la preparación orquestal y coral del grandioso Oratorio “La Creación” de Haydn, presentado por primera vez en Guatemala en su idioma original. En el año 2005 también participó como solista en el Concierto para dos Violoncellos y Orquesta de Cuerdas de Vivaldi, junto al eminente cellista Emilio Colon (Puerto Rico), quien fue protegido del gran Maestro Janos Starker. En octubre de 2006 recibió la Condecoración de Artista del Año en la Rama de Interpretación Musical, otorgada por la Societá Dante Alighieri, así como en 2011 le fue dedicado el Festival “Guatecoral”, organizado por el Ministerio de Cultura y Deportes. El 20 de junio de 2007 se graduó de Licenciado en Música con especialización en Violoncello de la Universidad Galileo. En octubre de 2008 representó a Guatemala en el V Festival Internacional del Conservatorio Rimsky-Korsakov en la Ciudad de San Petersburgo (Rusia). Desde el Año 2010 ha servido como Catedrático de Violoncello, Historia de la Música y Culturas Guatemaltecas en la Escuela Municipal de Música de Guatemala. Solista invitado Fielding Roldán / Oboe Egresado del Conservatorio Nacional de Música de Guatemala como Bachiller en Arte Especializado en Oboe, Licenciado en Música de la Universidad Galileo. Actualmente es Oboísta principal de la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala, y catedrático de Oboe y director de la Banda del Conservatorio Nacional de Música Germán Alcántara. Noche de gala con el Ballet de Kiev Considerado como uno de los mejores ballet del mundo, el histórico BALLET DE KIEV se presentará nuevamente en Guatemala el 8 de marzo próximo con tres obras maestras: Carmina Burana, Cherezade y El Corsario. El BALLET DE KIEV ha recibido el reconocimiento universal gracias a su altísima calidad y es reconocido junto con el Ballet Bolshoi y el Ballet Kirov como uno de los mejores ballets del mundo. Con su rica herencia clásica y el haber actuado frente a más de 40 millones de personas en su historia, el BALLET DE KIEV ha deslumbrado al público con su arte y brillantez técnica. Su historia comenzó en 1867, en el teatro de ópera de la ciudad (hoy conocido como la Ópera Nacional de Ucrania). Durante su historia, el Ballet Nacional de Kiev ha desarrollado una notable reputación por sus bellos trabajos en la danza clásica. Actualmente posee uno de los repertorios más grandes del mundo, entre ellos: El lago de los cisnes, Carmen, Giselle, Raymonda, Sílfides, Don Quijote, La bella durmiente, Coppelia, Bodas de Fígaro, Canción del bosque, La bayadera, Romeo y Julieta, etc. En esta oportunidad, la gira por Latinoamérica y México del Ballet de Kiev lleva tres grandes obras: Carmina Burana Es una obra basada en poemas de los siglos XII y XIII, que se han conservado en un único códice encontrado en 1803 por Johann Christoph von Aretin en una abadía en Baviera. En estos escritos se ensalza vivir por los placeres terrenales, por el amor carnal y por el goce de la naturaleza, con una mirada crítica y satírica hacia los estamentos sociales y eclesiásticos de la época. Carl Orff compuso su Carmina Burana entre 1935 y 1936, y se basó en 24 poemas del códice original. El corsario extraordinaria pieza de ballet, es una adaptación del poema de Lord Byron publicado en 1814 sobre el amor de un pirata por una esclava, con música de Giuseppe Verdi. La perfección del ballet, la delicadeza de la coreografía y la belleza de la música hace que nos sumerjamos a un mundo de ensueño, donde el brillo de los tocados, la suavidad de las telas y la armonía de la música nos embelesan y hacen olvidar por un momento del mundo al que realmente pertenecemos. Scheherezade La historia basada en los cuentos del libro “Las mil y una noche”, narra las vivencias del sultán Shahriar quien desposaba una virgen cada día y mandaba a decapitar a la esposa el día siguiente. Todo esto lo hacía en venganza, pues encontró a su primera esposa engañándolo. Ya había mandado matar a tres mil mujeres cuando conoció a Scheherezade. La princesa Sherezade de “Las mil y una noches”, representa la femineidad de la mujer que logra llevar al bestia-califa a ser un hombre, y que encuentra su análogo en el mito griego de Orfeo y en la frase popularmente conocida: “La música amansa a las fieras”. Con música de Nikolái Rimski-Kórsakov. Gran Teatro Nacional Miguel Ángel Asturias 20 Horas Miércoles 8 de Marzo 2017 www.Todoticket.com Balcon II Q 280.00 Balcon I Q 380.00 Platea Lat Q 480.00 Platea Cent. Q 580.00

La Orquesta Sinfónica Nacional llevará a cabo el martes 4 de julio a las 19:00 horas estaremos presentando nuestro "Quinto Concierto de la Temporada de Música de Cámara"

en el auditorio del Conservatorio Nacional de Música. Boletos Q20.00, de venta en las oficinas de la OSN en horario de 9:00 a 16:00 horas y en taquilla el día del concierto. Maestros invitados: violín, Pablo Ramírez Ortiz; viola, Ángel Pérez; cello, Elisa Irene Aquino y en el piano, Alfonso Hernández Programa: “Jóvenes Genios: Composiciones tempranas de Dohnanyi, Franck, Debussy y Mendelssohn” Serenata en Do Mayor para trío de cuerdas, Op. 10 (1902) Erno Dohnányi (1877 - 1860) I. Marcia Violín, Pablo Ramírez Ortiz Viola, Ángel Pérez Cello, Elisa Irene Aquino Trío concertante en Fa Sostenido Menor no. 1, op. 1 (1840) César Franck (1822 -1890) I. Andante con moto Trío para piano en Sol Mayor, L. 3 (1880) Claude Debussy (1862 - 1918) I. Andantino con moto allegro Violín, Pablo Ramírez Ortiz Cello, Elisa Irene Aquino Piano, Alfonso Hernández Cuarteto para Piano en Do mMnor no. 1, Op. 1 (1822) Felix Mendelssohn (1809 - 1847) I. Allegro vivace II. Adagio III. Scherzo: Presto IV. Allegro moderato

FUNDACIÓN ROZAS-BOTRÁN PRESENTA SIMULTÁNEAMENTE EL COLECTIVO “NEOMURALES” Y EL EXCLUSIVO LIBRO “DIVULGACIONES PLÁSTICAS ALREDEDOR DE UN TEMA AZTECA” PINTADAS POR CARLOS MÉRIDA

La Galería Rozas-Botrán de zona 14 presenta del 29 de octubre de 2016 y hasta enero de 2017 “Neomurales” 18 obras contemporáneas extraidas de las intervenciones artísticas del Cubo Blanco de Paseo Cayalá, en ese marco se presentará simultáneamente un exclusivo libro con 6 reproducciones de las acuarelas “Divagaciones plásticas alrededor de un tema azteca”, pintadas por Carlos Mérida. Esta obra de colección se publica para celebrar los 125 años del nacimiento del recordado artista, ilustre ciudadano del mundo, que hizo visibles las cualidades creadoras y puso en valor los componentes culturales de las culturas originarias de América Latina. Su trabajo está inspirado en las múltiples fuentes de información procedentes de las culturas mesoamericanas que perduran hasta nuestros días. En su pintura se presienten las narraciones míticas, legendarias e históricas de los grupos que habitaron la región antes del descubrimiento de América. La colección original fue recuperada recientemente por Cristina Navas y Mérida, nieta del artista, al revisar un archivo que la familia tenía guardado. La señora Mérida las mostró a Jose Rozas-Botrán y ambos decidieron producir esta edición limitada de grabados digitales. La publicación, producida por el Taller Experimental de Gráfica de Guatemala sobre un refinado papel libre de acido, muestra del trabajo en acuarela del maestro Mérida, quien dejó figurada buena parte de su labor en diversos materiales, tales como pergaminos pulidos, papel amate, vidrio, azulejo y planchas de polietileno. El equipo técnico y editorial trabajó en estrecha cooperación con Jose Rozas-Botrán para lograr la máxima fidelidad, por medio la maestría de los métodos de las nuevas técnicas de impresión y sistemas de realización. Cada estampa está numerada y sellada para asegurar su singularidad. La carpeta cambia la tradicional forma de exhibir una obra de arte, porque su contemplación se entiende como un conjunto resguardado por un elegante contenedor, que proporciona un incomparable gozo a la vista y al tacto. SOBRE NEOMURALES El “Cubo Blanco” de nuestro espacio en Paseo Cayalá se ha transformado en un cuarto de proyectos, con una visión transmoderna. En sus muros, 18 artistas contemporáneos han dejado su huella. Las obras de arte se han conservado debido al sistema desmontable que hemos creado, superando así la rigidez natural de la tradición muralística. La exposición que presentamos, en nuestro espacio de la zona 14, muestra el resultado de 5 años de alianza virtuosa entre los artistas y la Fundación Rozas-Botrán. Cada obra manifiesta las distintas formas de resolver el reto de transformar el Cubo Blanco. La primera pintura sobre muros -mágica y religiosa- se ejecutó sobre rocas de las cuevas paleóliticas. En Mesoamérica hay vestigios de murales ceremoniales en sitios como Bonampak (Chiapas), Naj Tunich (Petén) y San Bartolo (Totonicapán). Durante la época colonial, el muralismo fue muy importante para la catequesis didáctica; la mayoría fueron pintados por artistas locales sobre paredes de las porterías de conventos, capillas posas de los atrios y en los muros interiores de las iglesias (templo de San Cristóbal Totonicapán, portería del convento de San Francisco El Grande, La Antigua Guatemala y Ermita del Soldado en Alta Verapaz). En la época moderna, Jorge Ubico propició la elaboración de dos importantes obras sobrepuestas en los muros del Palacio Nacional. En esas fechas, el muralismo -como expresión ideológica de la plástica contemporánea iberoamericana, fortalecida en México- se extendió por Latinoamérica. Tanto en ese país, como en Guatemala, destacó Carlos Mérida quien, en 1945, pintó la serie Divagaciones plásticas alrededor de un tema azteca, en la que sintetiza los elementos decorativos de la arquitectura precolombina a través de la creación de un sistema de signos de figuras cambiantes. Esa geometría en movimiento dio con la abstracción de elementos indígenas, en busca de una esencia de la cultura nacional. Entre 1950 y 1970, Jorge Montes, Roberto Aycinena, Carlos Haeussler y Pelayo Llarena promovieron la integración de las Artes Plásticas con la Arquitectura, bajo la tutela de Mérida, acompañados por Efraín Recinos, Dagoberto Vásquez, Guillermo Grajeda Mena y Roberto González Goyri. Entre 1970 y 1990, la inestabilidad nacional ocasionó que el arte, incluido el movimiento muralista, detuviera su libre manifestación. A partir de la firma de los acuerdos de paz retornó lentamente al país la libertad de expresión manifestada de diversas maneras. Paralelamente, el grafiti, que ha existido desde el principio de la historia del hombre, comenzó a desarrollarse en Nueva York, con dos vertientes: la “legal” -artistas del spray que hacen cuadros y murales espectaculares, y la “ilegal”, en la que todo vale: carteles, paredes en la calle y otros lugares. Esta forma de expresión llegó a Latinoamérica en el momento preciso para que muchos jóvenes manifestaran púbicamente su sentir. En el Museo UNIS Rozas Rozas-Botrán el grafiti adquiere la cualidad mural con Mod Cárdenas, quien, junto con 30 alumnos, ha pintado un muro portable de 10 metros de largo por dos de alto, sobre la superficie exterior del espacio que alberga el auditorio principal de la universidad. En la Fundación Rozas-Botrán el límite para el arte es la creatividad de los artistas.

Orquesta Sinfónica Nacional presenta su IV Concierto de temporada Extraordinaria, el jueves 27 de abril de 2017, las 19:00 horas en el auditorio del Conservatorio Nacional de Música

3era . avenida y 5ª. Calle, zona 1. Entrada Q20.00, ya se tiene la preventa en las oficinas de la Orquesta Sinfónica Nacional, entrada por la 5ª. calle. Programa Concierto para Clarinete y Orquesta John Corigliano Sinfonía Júpiter W.A. Mozart Director invitado César Iván Lara Es una de las personalidades más relevantes del medio musical venezolano. En 2013 fue designado Director Asociado de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela (OSSBV), nombramiento que responde a su larga trayectoria frente a las mejores agrupaciones sinfónicas de El Sistema. Ha sido Director Titular de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar del Táchira y de la Orquesta Sinfónica de Falcón. En 2004 asumió la dirección musical de la Orquesta Sinfónica del Estado Mérida y, por su fructífera e intensa labor frente a esta agrupación, recibió la inédita distinción de ser nombrado Director Emeritus. Bajo su batuta, Mérida ha sido testigo de numerosos conciertos de envergadura, entre ellos, el estreno en Latinoamérica del Oratorio Belshazzar's Feast, de William Walton; el estreno en Venezuela del Oratorio Mandú Carará, de Heitor Villa-Lobos; y el estreno mundial de la Sinfonía clásica, del compositor venezolano Paul Dessene. Internacionalmente, ha sido invitado a dirigir orquestas en Colombia, Argentina, Nicaragua, Ecuador, México, Perú, Corea del Sur y Estados Unidos. Se ha desempeñado como preparador de la OSSBV, en programas de giras internacionales y conciertos especiales a petición del maestro Gustavo Dudamel, destacándose su trabajo de preparación de la Cantata criolla, de Antonio Estévez, para el concierto multitudinario realizado en el marco del Bicentenario de la Independencia de Venezuela, el cual contó con la participación de más de 1000 coralistas y 500 músicos. Ha estado al frente de la Orquesta Sinfónica de la Juventud Venezolana “Simón Bolívar” y el cantautor argentino Fito Páez en la Plaza de Mayo de la ciudad de Buenos Aires, en el marco de la celebración de los 203 años de la Revolución de Mayo (2013). Como compositor ha retomado su labor creativa escribiendo música para el trabajo fílmico del cineasta Andrés Agustí en el documental Memorias del gesto y el corto Pista de entrenamiento, este último merecedor del premio Iribarren Films, como Mejor Música Original, en el marco del Séptimo Festival de Cortometrajes de Barquisimeto 2011 y en el Festival del Cortometraje Nacional Manuel Trujillo Durán de Maracaibo en 2012 Solista en el clarinete Sergio Reyes Sergio Reyes hace su debut como solista a la edad de quince años, interpretando el Concierto para Clarinete y orquesta de W. A. Mozart K.622 con la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala, al ganar el concurso para tocar con dicha orquesta. Hizo su debut internacional como solista a la edad de 16 años, al ganar el concurso para jóvenes del Festival de la Orquesta Sinfónica Juvenil de las Américas (FOSJA), en San Juan, Puerto Rico, la cual le dio una nominación a los premios “Arco iris Maya” como músico solista del año. Desde entonces es invitado para presentarse como solista dentro y fuera del país, en varias ocasiones con diferentes orquestas profesionales y juveniles. Ha compartido escenario con reconocidos directores. Inicia sus estudios de clarinete con Cesar Sazo (Guatemala) y eventualmente con Aldo Salvent (Cuba) y Valdemar Rodríguez(Venezuela). Como solista e intérprete de Música de Cámara para Clarinete ha estrenado e interpretado obras de compositores del siglo XVII al XXI presentándose en diferentes escenarios nacionales e Internacionales (Teatro de Cámara del CCMA, Auditórium del Conservatorio Nacional de Música de Guatemala, Teatro “Presidente” de El Salvador, Auditórium de la Universidad Nacional de Costa Rica, IGA de Guatemala, Union Church de Guatemala, Teatro Municipal y Casa Noj de Quetzaltenango, Auditorium “Luis Cardoza y Aragon” de la Embajada de Mexico en Guatemala, Palacio Nacional de la Cultura de Guatemala, Centro Cultural Metropolitano de Guatemala, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca en México, en la ciudad Jaraguá do Súl en Brasil, Auditorio del Conservatorio superior de música del Liceu de Barcelona, España, Teatro La Palestra en Ciudad Colon, Costa Rica y Centro Cultural Japonés y Conservatorio Nacional de Música en Lima, Perú]. En el 2007 se gradúa de la Universidad Galileo de Guatemala, de licenciado en Música, especializado en Clarinete. Es fundador y organizador de los Seminarios y Festivales para Niños y Jóvenes Clarinetistas en Guatemala y Centroamérica de los cuales se celebran ya en 6 ocasiones, el Festival Internacional de Clarinete en Guatemala “ClarifestGuatemala”, que cuenta ya con fama a nivel mundial por su figura como motivador, educador y modelo en Centro América para la promoción del Clarinete en la juventud guatemalteca. Celebra sus 10 años de existencia y continuidad en 2017. Cursa el Postgrado en Perfeccionamiento de Clarinete en el Conservatorio Superior del Liceu de Barcelona, España, durante los años 2009 y 2010, bajo la tutela de Isaac Rodríguez. Durante su estadía en Europa, recibe master class con la clarinetista de fama mundial Sabine Meyer en Lübeck, Alemania. Sergio es premiado como Clarinetista Favorito del año 2010 de toda Hispanoamérica por la red Clariperu.org de clarinetistas por todo el continente. Es integrante de la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala como Clarinete Principal; es profesor de la cátedra de la Escuela Municipal de Música y de la Escuela Superior de Arte de la Universidad de San Carlos de Guatemala. Artista de la compañía francesa de clarinetes Buffet-Crampon y de la compañía de cañas para clarinete Rico-Daddario Reeds. Su disco “Clarinete guatemalteco” incluye obras de compositores guatemaltecos inéditas, sale al público en junio de 2013. Es premiado como “Artista del Año 2015” como interpretación musical en los premios de la Asociación A. Von Humbolt, celebrados en el Club alemán de Guatemala. Nominado en los premios “Estela” en el año 2016, como Mejor Artista “Academico” y como Artista al “Virtuosismo” a nivel nacional. También está trabajando en el enlace Viena-Guatemala, la cual tiene como misión unir a la Escuela Municipal de Música de la ciudad de Guatemala con la Wiener Musikakademie, en Austria. Cumpliendo así con Becar a alumnos destacados para que realicen estudios superiores en dicho país. Actualmente trabaja en el disco premier del grupo “Ajkeem”, con quien fusiona la música guatemalteca y del mundo. Fundando así uno de los grupos inéditos en Guatemala en su peculiar estilo musical. Notas al programa de mano: Ernesto E. Calderón John Corigliano – Concierto para Clarinete y Orquesta En el mundo de la música académica el apellido Corigliano es conocido gracias a John Corigliano – padre –, que fue por 23 años el violín concertino de la Orquesta Filarmónica de Nueva York, en una época de grandes avances de la música estadounidense en las décadas de 1950 a 1970. Durante el mes de mayo estaremos realizando los conciertos didácticos de la Orquesta Sinfónica Nacional, (OSN, Guatemala). Este año tendremos como director invitado a Ramiro Arista que viene desde Argentina para trabajar un repertorio muy interesante. Esta temporada didáctiva es parte de uno de los objetivos de la OSN, la propagación de la cultura musical en nuestro país y la transmisión de valores interculturales y de relaciones sociales, para incrementar el compromiso de la sociedad con la cultura como un valor en sí misma y difundir los valores artísticos vinculados a la música y otras artes y acercarlos a todos los públicos. De allí la importancia de la Temporada escolar, la cual consiste en conciertos dirigidos a los alumnos de todos los niveles educativos de los establecimientos públicos y privados, tanto en la ciudad capital como en los departamentos del país. En la capital estaremos realizando conciertos didácticos la semana del 8 al 12 de mayo en el auditorio del Conservatorio Nacional de Música, Germán Alcántara. Luego estaremos en: 15 de Mayo - San Lucas 16 de Mayo - Chimaltenango 17 de Mayo- Villa Canales 18 de Mayo - Chimaltenango 19 de Mayo - San Bartolomé Milpas Altas Y del 22 al 26 de mayo regresamos a la capital para realizar más conciertos didácticos. La Orquesta Sinfónica Nacional, Patrimonio Cultural de la Nación presentará el III CONCIERTO EXTRAORDINARIO LAS ÚLTIMAS SIETE PALABRAS DE CRISTO EN LA CRUZ F. J. Haydn. Director invitado: Ricardo del Carmen Lugar: Gran Sala “Efraín Recinos” del Centro Cultural “Miguel Ángel Asturias”. Hora: 20:00 Día: Jueves, 6 de abril Entrada: Platea Q50.00 y Balcones Q20.00 La preventa se está llevando a cabo en las oficinas de la Orquesta Sinfónica Nacional, 3ra. Avenida, 4-61 zona 1, entrada por la 5ª. Calle de 9:00 a 17:00 horas. Hoja artística director invitado Ricardo Del Carmen Fortuny Nació en la ciudad de Guatemala, el 2 de octubre de 1969. Realizó sus estudios musicales de Violoncello en el Conservatorio Nacional de Música de Guatemala, bajo la tutela del eminente Maestro Eduardo Ortiz Lara, habiéndose graduado en 1988. Desde 1991 hasta la fecha es miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala en calidad de Violoncellista Asistente de Principal. En 1991 y 1992 fue integrante de la Orquesta Sinfónica Centroamericana en Honduras y Costa Rica. Desde 1992 hasta la fecha es Catedrático del Conservatorio Nacional de Música de Guatemala, donde ha impartido clases de Violoncello, Música de Cámara, Práctica Coral, Historia de la Música y Folklore. Es importante destacar que ha tenido importantes proyectos a su cargo, como lo fue en 2005 la preparación orquestal y coral del grandioso Oratorio “La Creación” de Haydn, presentado por primera vez en Guatemala en su idioma original. En el año 2005 también participó como solista en el Concierto para dos Violoncellos y Orquesta de Cuerdas de Vivaldi, junto al eminente cellista Emilio Colon (Puerto Rico), quien fue protegido del gran Maestro Janos Starker. En octubre de 2006 recibió la Condecoración de Artista del Año en la Rama de Interpretación Musical, otorgada por la Societá Dante Alighieri, así como en 2011 le fue dedicado el Festival “Guatecoral”, organizado por el Ministerio de Cultura y Deportes. El 20 de junio de 2007 se graduó de Licenciado en Música con especialización en Violoncello de la Universidad Galileo. En octubre de 2008 representó a Guatemala en el V Festival Internacional del Conservatorio Rimsky-Korsakov en la Ciudad de San Petersburgo (Rusia). Desde el Año 2010 ha servido como Catedrático de Violoncello, Historia de la Música y Culturas Guatemaltecas en la Escuela Municipal de Música de Guatemala. LAS ÚLTIMAS SIETE PALABRAS DE CRISTO EN LA CRUZ – F. J. Haydn Esta obra nace por encargo de Don José Saénz de Santamaria, encargo al que Haydn respondió quince años más tarde con esta extraordinaria partitura, que originalmente fue concebida para orquesta de cuerdas y dado a su relevancia y éxito fue trasladada a los siguientes formatos: • versión coral, • versión orquestal – únicamente instrumental, • versión tipo oratorio para orquesta, coro y solistas, • versión tipo oratorio para órgano, coro y solistas, • aunque debe señalarse que la forma en la que más se ha popularizado es por medio de su versión para cuarteto de cuerdas. Muy consistentemente la feligresía católica española concede gran importancia a la obra, pues el encargo de esta nació en Cádiz, lo cual es muestra de la fama de Haydn como músico a lo largo de Europa. La música fue diseñada para acompañar un rito católico implementado por los misioneros Jesuitas en Perú, que luego adoptó la iglesia española, extendiéndose a toda Europa y América. Nos referimos al “Ejercicio de las Tres Horas” que se hace el Viernes Santo entre las doce y las tres de la tarde. La música es una clara muestra del genio del compositor y de su interés por entregar una obra digna de llamarse “Sagrada”. Utilizando los recursos compositivos del período clásico, sabe hilvanar una serie de sentimientos y emociones contradictorios, entre el sufrimiento de la pasión y muerte de Jesús y la esperanza de su resurrección y reino eterno. Escucharemos música evocativa de principio a fin, corales llenos de textura y lirismo, además de partes solísticas que saben conducirnos a la emoción que se intuye con cada palabra pronunciada por nuestro Salvador. Las partes constitutivas de la obra son: Introducción I 1."Padre perdónalos, porque no saben lo que hacen" (Lucas, 23:34) 2. "Yo te aseguro: hoy estarás conmigo en el Paraíso" (Lucas, 23:43) 3. "Mujer, ahí tienes a tu hijo. [...] Ahí tienes a tu madre" (Juan, 19:26-27) 4. "¡Dios mío, Dios mío!, ¿por qué me has abandonado?" (Mateo, 27:46 y Marcos, 15:34) Introducción II 5. "Tengo sed" (Juan, 19:28) 6. "Todo está cumplido" (Juan, 19:30) 7. "Padre, en tus manos encomiendo mi espíritu" (Lucas, 23:46) Terremoto La importancia de estas últimas siete palabras de Jesús radica en que en ellas se encierra el cumplimiento de toda la profecía tradicional judía en cuanto a la llegada y expiación del Mesías. Es conveniente mencionar que las siete palabras se han recogido del análisis y conexión entre los evangelios canónicos. Se tiene inclusive al Salmo 22 como referente de todo lo que sucedió en la crucifixión del Salvador, lo cual indica que David profetizó el dolor de Jesús en un canto devocional. Presentamos este hermoso salmo para introducirnos al contexto de la pasión, crucifixión, muerte y resurrección de Cristo. La tradición dice que Jesús en el momento del sufrimiento extremo clamó a Dios en su “Cuarta Palabra”, recitando el Salmo 22.

La Orquesta Sinfónica Nacional, Patrimonio Cultural de la Nación y entidad artística del Ministerio de Cultura y Deportes presenta su IV Concierto de Cámara, en el auditorio del Conservatorio Nacional de Música Germán Alcántara

a las 19:00 horas, entrada Q20.00. Programa: • 3 Nocturnos para Cello y Guitarra……………… Friederich urgmüller - Andantino - Adagio Cantabile - Allegro Moderato • Sonata para Cello y Guitarra en La menor…….Antonio Vivaldi - Largo - Allegro - Largo - Allegro • Cuarteto de Cello op. 6…………………Josef Werner - Andante Serioso - Scherzo - Trio - Adagio-Moderato • Elegía para cuatro Cellos…………Josef Werner Integrantes: • Julio Alfonso Lima……….Violoncello • Mónica Ortiz……………….Violoncello • Elisa Irene Aquino ………Violoncello • Ana Galdámez…………….Violoncello • Rodrigo Lima………………Guitarra Notas al programa por Julio Alfonso Lima Martínez Sonata en La menor para violonchelo y guitarra, RV 43 Antonio Vivaldi compositor nacido en Venecia en 1678 escribió entre los años 1720 a 1730 un conjunto de seis sonatas para violonchelo y bajo continuo publicadas en París en 1740, un año antes de su fallecimiento. Todas ellas a excepto de una tienen el patrón lento-rápido-lento-rápido propias de la forma musical de la “Sonata da Chiesa” que se utilizaba como acompañamiento en los servicios religiosos. En esta ocasión tendremos un arreglo de la sonata en La Menor por Walter Haberl para violonchelo y guitarra. 3 Nocturnos para violonchelo y guitarra Johann Friedrich Franz Burgmüller nacido en Ratisbona una ciudad situada en el centro de Baviera Alemania, escribió muchas obras para salón especialmente ballets en un estilo puramente parisino que lo adoptó cuando se mudó a París en 1836, hoy caídos en el olvido. Entre sus 100 opus en el que se destacan estudios de piano a nivel de conservatorio se encuentran estos tres nocturnos; Andantino en La Menor, Adagio Cantábile en Fa Mayor y culminando con un Allegro moderato escrito en Do Mayor, en donde destacan las melodías dulces escritas para violonchelo acompañadas de guitarra. Elegía para Cuatro Chelos Op. 21 y el Cuarteto para violonchelos op 6. Josef Werner violonchelista principal de la Múnich Hofkapelle nació en 1837, escribió un popular método de violonchelo usado principalmente por principiantes en el instrumento. Su hija Sophie Menter se convirtió en la primera esposa de David Popper, otro docente que contribuyó al desarrollo de la técnica del chelo con sus estudios. La Elegía presenta un adagio dramático para introducirnos a la tonalidad de Re Mayor con un tiempo más movido manteniendo los colores que se obtienen al ensamblar cuatro instrumentos iguales destacando la versatilidad de la tesitura que posee el violonchelo tanto en el timbre agudo como bajo. El cuarteto Op 6, nos muestra la habilidad y conocimientos que poseía el compositor del instrumento y la composición ya que en sus cuatro movimientos I. Andante Serioso II.- Scherzo III.- Moderato, esté último con un Adagio como introducción presenta una dificultad técnica e interpretativa que individualiza a cada músico con su partitura pero unifica al grupo explotando el sonido melancólico de este instrumento.

FUNDACIÓN JUAN BAUTISTA GUTIÉRREZ DA INICIO A LA CONVOCATORIA DEL PROGRAMA DE BECAS UNIVERSITARIAS

Guatemala, marzo 2017. La Fundación Juan Bautista Gutiérrez por medio de su Programa de Becas Universitarias, inició recientemente con el proceso de recepción de papelería de aquellos jóvenes que están interesados en seguir una carrera universitaria, luego de finalizar sus estudios diversificados. La convocatoria estará abierta durante los próximos dos meses, finalizando 1 de junio de este año. Luego del tiempo de recepción de papelería, se tomará aproximadamente 4 semanas para analizar cada uno de los casos y empezar con el proceso de selección de los próximos estudiantes que tendrán la oportunidad de poder materializar su sueño en el mes de noviembre al recibir su beca para seguir una carrera universitaria en las mejores universidades del país. Los requisitos para poder aplicar son: Cursar el último año de estudios de diversificado Tener un promedio general de 85 puntos durante los últimos tres años de estudio Ser de recursos económicos limitados Los beneficios que brinda la beca a cada estudiante son: Pago de gastos académicos durante los años que dura la carrera universitaria Pago de tramites de graduación Apoyo económico mensual para sus gastos Apoyo en libros Apoyo en inglés Residencia universitaria para aquellos que viven en los departamentos de Guatemala Participación en cursos, congresos, talleres, campamentos, etc. El objetivo del Programa de Becas Universitarias de Fundación Juan Bautista Gutiérrez, es brindar la oportunidad a jóvenes de alto nivel académico y recursos económicos limitados, de cumplir su sueño de obtener una beca para realizar sus estudios superiores. Fundación Juan Bautista Gutiérrez www.fundacionjbg.org Constituida en 1986 para centralizar y formalizar los proyectos benéficos y sociales que se han llevado a cabo desde hace varios años. La Fundación lleva el nombre del pionero y fundador de las empresas que hoy conforman la Corporación Multi-Inversiones y que ha sido ejemplo de compromiso y trabajo para su familia y las comunidades que tuvieron la suerte de conocerlo. La Fundación es el brazo social de las empresas de la Corporación, siendo una entidad dedicada al servicio social, con énfasis en las áreas de Educación y Salud. El Museo UNIS Rozas-Botrán Contemporáneo (MURB) expondrá obras de la Colección de Artes Visuales Cien30 de Arte Contemporáneo de Centroamérica y Panamá ENTRE SIGLOS POR EL MUNDO. El Museo UNIS Rozas-Botrán Contemporáneo, ubicado en el Campus UNIS de Fraijanes (MURB), custodia, durante este año, una nueva colección de obras de arte que construirá nuevas narraciones, dando sentido al museo como un espacio para la comunicación social. La inauguración de esta nueva museografía se llevará a cabo el 28 de febrero, a las 10 de la mañana. De esta manera, la Fundación Rozas-Botrán y la UNIS dan pasos firmes para cumplir con el objetivo general del Museo, que consiste en transformar a las personas a través del arte, ofreciéndoles una visión más amplia, sensible y abierta del mundo. Las 152 obras que forman la Colección de Artes Visuales Cien30 que aparecen en el libro Entre Siglos, Arte Contemporáneo de Centroamérica y Panamá, se expusieron por primera vez en diciembre de 2015 en el Museo Nacional de Arte Moderno “Carlos Mérida” de Guatemala para la presentación del documento. Una selección de la colección se presentó en el Festival Cultural Paseo de la Sexta 2016. La producción del libro fue dirigida por Jose Rozas-Botrán, para celebrar los 100 años de servicio de la familia Rozas-Botrán en educación e investigación científica para la salud y 30 años de trabajar en la promoción cultural y artística. Entre Siglos forma parte de la plataforma de investigación y divulgación de las artes visuales centroamericanas y panameñas de los siglos XX y XXI. Esta tarea se lleva a cabo a través de los espacios culturales de la Fundación en la Zona 14 y Paseo Cayalá; en una exposición bienal en Miami, Florida, en la institución financiera Northern Trust; en la celebración, también bienal de Rozas-Botrán Awards and Auction, en la misma ciudad norteamericana y en el MURB. El libro, que se ha convertido en un embajador de la diversidad de registros artísticos centroamericanos y panameños, se entrega de forma gratuita a instituciones culturales, bibliotecas, centros de educación media y universitaria, galerías de arte, curadores, coleccionistas de arte y artistas de diversos lugares del mundo. El MURB significa para la UNIS propiciar la convivencia armónica de los alumnos con el arte visual centroamericano y panameño los siglos XX y XXI y motivarlos a trabajar en un ambiente estético diferente, que favorece la generación de más y mejores ideas. De igual forma representa abrir el campus al público en un ambiente universitario de reflexión intelectual de primer orden. El plan de actividades del MURB contiene varias actividades, entre ellas, la formación de grupos de alumnos sirven como guías del Museo. Ellos transmiten la comprensión de las expresiones de los autores, así como sus motivaciones y técnicas a los diferentes públicos, lo que significa entrar en diálogo a través de diferentes puntos de vista, uniéndonos como sociedad.

VI y VII CONCIERTOS DE TEMPORADA OFICIAL EN EL MARCO DEL 73 ANIVERSARIO DE LA ORQUESTA SINFÓNICA NACIONAL

La Orquesta Sinfónica Nacional, Patrimonio Cultural de la Nación presenta el VI y VII Conciertos de Temporada Oficial en el marco del 73 ANIVERSARIO DE LA OSN el jueves 27 y 28 de julio en la Gran Sala del Centro Cultural Miguel Ángel Asturias, a las 20:00 horas. Preventa en las oficinas de la OSN, edificio del Conservatorio Nacional de Música, Germán Alcántara, 3era avenida, 4-61, zona 1, entrada por la 5a. calle. Entrada Q 50.00 y Q70.00 Estos dos conciertos estarán bajo la batuta del director invitado Vicente Ariño (España) VI CONCIERTO DE TEMPORADA OFICIAL Repertorio: C.DEBUSSY ____________________ Preludio a la Siesta de un Fauno M.RAVEL _______________________ Alborada del Gracioso IGOR STRAVINSKY__________________ Petrushka VII CONCIERTO DE TEMPORADA OFICIAL Repertorio: ELGAR __________________________________ Variaciones Enigma M.RAVEL Suite No. 2_______________________ Daphnis et Chloé Hoja de vida artística Director invitado VICENTE ARIÑO PELLICER Natural de Zaragoza, es licenciado en las especialidades de Música de Cámara, Dirección de Orquesta y Piano en los Conservatorios Superiores de Madrid y Valencia, con Mención de Honor. Una beca del Ministerio de Cultura de España le permite realizar los estudios de postgrado de dirección de orquesta en Italia. Como pianista, galardonado con Mención de Honor en el Concurso Internacional de Juventudes Musicales en Lisboa, y músico de cámara. Posee una amplia trayectoria de más de 25 años que le ha permitido actuar desde el Concert Hall de Shanghái o el Mirato Miral Hall de Yokohama a la Sala George Enescu de Bucarest invitado por la UNESCO, el Auditorio Villa Louvigny de Luxemburgo o la Emmanuel Hall de San Francisco, así como en Argentina, Chile, Uruguay, Gran Bretaña, Portugal, Francia, Italia, Holanda, Corea del Sur, China, Japón, EEUU y Canadá. Recientemente ha grabado el Op. 38 de Richard Strauss Enoch Arden por primera vez íntegro en español y las Doce Danzas Españolas de Granados. Como director ha dirigido diversas orquestas tanto en Europa como en Asia, África y América: Camerata Fiorentina, Orquesta Sinfolario ( Festival del Lago de Como,) Orquesta Filarmónica de Calabria , Italia. Orquesta Filarmónica de Timissoara Rumanía en gira por Francia, Orquesta Filarmónica de Szeged, Hungría. Euro Sinfonietta Orquesta de Viena con la que actúa anualmente en el ciclo Novomatic Forum de Viena. Orquesta Academica de Lviv, Ucrania Orquesta Filarmónica de Harkov , Ucrania ( con el ciclo de las cuatro sinfonías de Brahms ). Orquesta Filarmónica de Karsnoyarsk , Rusia Bashket Symphomic Orchestra de Ankara, Turquía Orquesta Filarmónica de la Opera del Cairo (con el estreno para el continente del concierto para piano de Ginastera en su centenario). Siendo invitado a volver en 2017. Orquesta Nacional de Lima, Perú Orquesta de Piura y Cuzco, Perú Orquesta Sinfónica del Estado de México (OSEM) en varias ocasiones. Orquesta Nacional de Guatemala en diversas ediciones de su temporada. Es requerido para colaborar con jóvenes orquestas tanto en el continente americano, europeo o en África, como en los talleres musicales que está desarrollando en la escuela “Echos del Sahel” en el África Subsahariana. Profesor Numerario de Música de Cámara del Cuerpo de Profesores de Música y Artes Escénicas por oposición en el conservatorio de Alcalá de Henares . Ha impartido Master Class en las Universidades de Tulane (Nueva Orleáns), Universidad de Clermont (Los Ángeles) y en la Universidad Central de Pekín. Realiza programas de divulgación musical de enorme éxito en las radios Cadena Ser Henares y Onda Cero Henares. Ha dedicado 21 de sus más de 25 años de actividad profesional a crear, consolidar e incrementar el proyecto musical que desarrolla la Fundación “Orquesta Ciudad de Alcalá” para la ciudad en sus tres secciones la cual fundó en 1995; destacando el concierto que realizó al frente de la Orquesta Ciudad de Alcalá en Nueva York en 2004 y en San Petersburgo en 2012 en los actos conmemorativos del 150 aniversario de conservatorio Rymsky-Korsakov representando a España. Biografía PRISCILLA STELLER, solita invitada en el arpa (Costa Rica) Arpista costarricense. Estudió bajo la tutela de la profesora M.Sc.Ruth Garita en el Instituto Nacional de Música de Costa Rica. Ha participado y tocado en la Orquesta Sinfónica Juvenil Centroamericana OJCA (Costa Rica 2009 y el Salvador 2012), “Young Artist’s Harp Seminar” (2007, Georgia, Estados Unidos), 10mo y 11vo Congreso Mundial de Arpa (2008 y 2011 en Amsterdam, Holanda y Vancouver, Canadá respectivamente) donde fue parte de la agrupación de arpas más grande del mundo para un Record Guiness, Festival de Arpa (2009, México D.F) y el Festival de Música de Santa Catarina (FEMUSC, Brasil, 2010). Recibió una mención honorífica en el concurso “Jóvenes Solistas 2007” de Costa Rica. Tocó como segunda arpista junto a la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica en la temporada 2010 (X y XI conciertos). Ha tocado junto a grupos de renombre internacional en el ámbito popular como Nestor Torres, Jairo, Il Divo y Christopher Cross. Participó dos veces en Honduras junto a la orquesta local, estrenando música del compositor Nestor Llamazares (de la cual fue solista) y Walther Acevedo. También fue parte, junto a la Orquesta Sinfónica Nacional de Panamá y el director italiano Elio Orciuolo, del montaje de la ópera Aïda. En Guatemala, tocó y grabó junto al tenor Mario Chang. Fue la arpista principal de la Orquesta Sinfónica de Heredia (solista en el 2010), con quienes fue parte de la grabación de tres discos compactos; además, fue arpista principal de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Costa Rica, la Orquesta Filarmónica de Costa Rica (grabación de un disco) y la Orquesta Sinfónica de Cartago, hasta finales del 2013. Ha estrenado y grabado diferentes composiciones originales tanto de artistas costarricenses, como salvadoreños. Actualmente es la arpista principal de la Orquesta Sinfónica de El Salvador, con la cual se presentó como solista para el V concierto de la temporada 2014. Colabora como mediadora educativa y miembro de la Orquesta Cristiana de El Salvador. Como docente, imparte clases privadas de piano, teoría y arpa a estudiantes de diversas edades. Es parte, junto a su esposo el compositor y clarinetista Josué Viera, del dúo Kyr. www.musicakyr.com La "Belle époque" y la modernidad musical: sutileza y brío sonoro Notas del programa por Vicente Ariño Pellicer Ningún proceso artístico o producción creativa puede desligarse del devenir histórico del ser humano en sus diferentes interacciones como proceso civilizador que engloba tanto lo económico, político, social, artístico y científico. Los dos programas de concierto que les presenta la Orquesta Nacional de Guatemala quiere acercarles la visión sonora de un mundo en progreso antes de la conflagración de la gran guerra. Belle Époque o La Belle Époque (en español: Época bella) es una expresión nacida antes incluso de la gran guerra para identificar ese periodo histórico que abarca desde la guerra Franco-Prusiana de 1870 hasta la guerra del catorce. Cinco décadas largas donde la expansión del imperialismo fomentado en el capitalismo abrazado al progreso tecnológico, basado en la ciencia y el progreso como benefactora de la humanidad a través de nuevos descubrimientos influyeron en la forma de vida. Belle Époque, describe una época en que las transformaciones económicas y culturales que generaba la tecnología influían en todas las capas de la población y también este nombre (belle époque), responde en parte a una visión nostálgica que tendía a embellecer el pasado europeo anterior a 1914 como un paraíso perdido tras el salvaje trauma de la Primera Guerra Mundial. Un paraíso perdido de paz y prosperidad que todo el siglo XIX había alimentado desde que finalizaron las guerras napoleónicas que asolaron todo el continente europeo y que el tratado de paz de Viena puso fin y principio a un periodo de prosperidad social en todos los aspectos humanos incluido el arte. De todas las disciplinas artísticas, tal vez la música, fuese la más beneficiada. Entender y poder disfrutar de los dos programas de concierto que les presentamos hoy requieren de situarlos en su contexto histórico dónde las exposiciones universales realizadas en París en los años 1889 y 1900 son los símbolos de la Belle Époque, por su insistencia en la promoción del progreso científico y por atraer la atención a nivel realmente mundial. “La sutileza y el brío sonoro”, segunda parte del enunciado del título de estas notas al programa, surge en el papel pautado de los compositores como un reflejo del mundo actual y de las corrientes musicales del momento. Una verdadera escuela musical francesa había surgido tras la guerra Franco Prusiana del 1870. Sus dos creadores musicales más relevantes serían Ravel y Debussy. Hoy tienen la oportunidad de escuchar Preludio, Interludio y Paráfrasis final para la siesta de un Fauno que se interpretó por primera vez en un concierto exclusivamente de música de Debussy en marzo de 1894 en Bruselas y que hoy se conoce como “Preludio a la siesta de un Fauno”. Aunque realmente más que un preludio es un poema sinfónico, pero tan alejado de la concepción que acuñase Liszt, que cuando el poeta simbolista Mallarmé en cuyo poema se inspiró Debussy para ponerle música lo escuchó, exclamo: “¡no esperaba nada de este tipo!”. Un tiempo después el poeta escribió a Debussy: “Su ilustración de La Siesta de un Fauno no presenta ninguna disonancia en mi texto, excepto para ir más allá, y penetrar la nostalgia y la luz, con finura, con desazón, con riqueza”. A finales del siglo XIX Debussy con esta obra había abierto la emancipación de la disonancia como fuente de realización musical consustancial al proceso creativo. Una tendencia que estaría presente hasta la Gran Guerra y que tras la Primera Guerra Mundial eclosionaría. Una modernidad de La Belle époque que se aglutinaba en nuevos foros y espacios de distracción para el debate político e intelectual. Cafés, clubes como del que formó parte Ravel bajo el nombre de Le club des Apaches (nombre de la jerga callejera parisina del momento que quiere decir: “mocetones pendencieros”. Grupo intelectual que tenía en el Pelléas et Mélisande de Debussy su referente de admiración y a Wagner cuyas operas eran tremendamente populares en el París del momento como el foco de sus críticas. “Los apaches” tenían reuniones semanales, asistían juntos a los conciertos e incluso alquilaron una cabaña para hacer música hasta altas horas de la madrugada. En 1905 Ravel escribió cinco piezas para piano bajo el título de “Miroirs”, espejos que dedicada a cada uno de los miembros diferentes de Los Apaches. Alborada del gracioso está dedicada al crítico Cavocoressi. Fue orquestada por Ravel años después de que el grupo se hubiese disuelto y fue estrenada por el pianista español Ricardo Viñes quien dio nombre al grupo. Pero, dicho de otro modo; el título la alborada del gracioso significa: “Serenata Matinal del Bufón”. En la comedia española, un gracioso es un bufón similar al tonto de las obras de Shakespeare. Este bufón ayudaba a los músicos a interpretar una alborada, que no es más que una serenata que un enamorado daba a su enamorada todavía dormida esta, al amanecer. La modernidad social, con sus exposiciones universales o parques de atracciones, la aparición de la moda, la sociedad del ocio y el entretenimiento junto a la modernidad científica e intelectual a través de los medios de locomoción se hacía patente en La Belle époque como una sociedad segura, próspera y feliz. La sutileza de esta época histórica se había colado en el arte musical gracias a la sutileza sonora de compositores como Ravel y Debussy y el brío sonoro de esta sociedad que empezaba a acostumbrase al ruido continuo de la ciudad moderna y bulliciosa como Paris y Londres, con nuevos sonidos como el de las nuevas máquinas que estimularon nuevos bríos sonoros en la orquesta que Stravisnsky supo emular. Stravinsky une su carrera a Paris cuando viaja a la capital francesa para presentar el primero de sus tres grandes ballets El pájaro de fuego en 1910, al año siguiente presentaría Petrushka y con él su fuerte énfasis bitonal para llegar finalmente a la salvaje disonancia polifónica de la consagración de la primavera en 1913. El brío sonoro que forma parte del título de estas notas al programa aparece en el concierto de manos de Petrushka. Petrushka es una marioneta de paja y serrín tradicional rusa de carácter bufo y burlón, lo que en el mundo latino equivaldría al Polinchinela que cobra vida y desarrolla la capacidad de sentir como Pinocho. Stravinsky nos trae los sonidos de la modernidad en esta partitura, los sonidos de las ferias, de los parques de atracciones, el ruido de las calles y de los mecanos y autómatas: los nuevos juguetes de los niños de La Belle époque y nos anuncia el barbarismo sonoro del futuro más allá de la gran guerra. Cuenta Stravinsky en su autobiografía: “antes de encarar la consagración de la Primavera, quise refrescarme componiendo una pieza orquestal en la que el piano desempeñara la parte más importante. Al componer la música, tenía en mente la clara imagen de un títere al que súbitamente se le confiere vida, exasperando la paciencia de la orquesta con cascadas diabólicas de arpegios. La orquesta a su vez toma represalias con amenazadores estallidos de trompetas. El resultado es un ruido terrible que alcanza su clímax y finaliza con el lamentable y quejoso colapso del pobre títere. Después de terminar esta pieza extraña, luché durante horas, mientras caminaba junto al lago de Ginebra, para encontrar un título que expresara en una palabra el carácter de mi música y en consecuencia la personalidad de esta criatura. Un día salté de alegría. Había encontrado finalmente mi título: Petrushka, el héroe inmortal y desdichado de todas las ferias de todos los países.” Con Petrushka la modernidad había eclosionado, sus consecuencias estaban en ciernes. La consecución de crisis militares en los amplios territorios imperiales de las grandes potencias del momento, Inglaterra, Francia, Alemania y Rusia se sucedían año tras año en una demostración de fuerza tecnológica de su industria militar que desembocaría en la guerra del catorce. A la ‘par’, una modernidad musical se sucedía en el mundo musical. Como si la época feliz de La Belle époque no sirviese a las modernas sociedades del momento. Si los tres ballets de Stravisnky: el Pájaro de Fuego 1911, Petrushka 1912 y La consagración de la Primavera 1913, invitaban a la ruptura de la tradición sonora tanto tonal como modal que había dominado la música europea durante los últimos cinco siglos y esta debiese de llegar a su final. Preludio de estos tres años de vértigo en la creación musical que encarna Stravisnky está la fecha de 1909 año de la controvertida opera Elektra de Strauss, año en el que Schonberg estaba componiendo en Viena su primera música sin centro tonal, en Italia se publicaba el primer manifiesto futurista y Francia experimentaba su primer contacto con los revolucionarios ballets de la compañía de danza rusa de Diaghilev. En nuestro dual programa que bajo el nombre de sutiliza y brío representa la modernidad de La Belle époque, vuelve aparecer Ravel para trasladar la sutileza a su obra más extensa. Su ballet de una hora Daphnis et Cloé que empezaría en 1909 y estrenada esta segunda suite que hoy les presentamos en 1913, un año antes de la gran guerra y el mismo año donde la barbarie sonora de Stravinsky irrumpe en el panorama musical con su consagración. Ravel abraza todo ese periodo de precipitación histórica con las sonoridades más sensuales, etéreas y bucólicas de toda la historia de la música. “Cuando lo escribí , mi intención era componer un gran fresco, menos parecido con la antigüedad que con la Grecia de mis sueños”. Nadie como Ravel para esta historia griega del siglo III que trata del amor y la relación delicadamente erótica entre un cabrero y una pastora. Daphnis exige una orquesta enorme y un coro que cante sin palabras. Girar esta obra era costoso. Ravel obligó a Diaghilev mediante contrato que cada vez que se hiciese el Ballet completo en una gran ciudad debía de haber coro. Cosa que Diaghilev omitió en la presentación de la obra en Londres en 1914. Londres es el final de nuestro viaje musical a través de un periodo histórico donde la modernidad se plasmó en todos los conceptos y a cuyo influjo no pudo sustraerse el arte y menos la música en un tiempo feliz, apacible; el de La Belle époque . Allí, en las islas tras muchos años sin un compositor nacional propio desde Purcell surge Elgar. A diferencia de nuestros anteriores compositores cerramos estos dos sendos programas que la Orquesta Nacional de Guatemala les ofrece en estos dos días ininterrumpidos de modernidad musical con un compositor extraño a su propio país y que sin embargo encarnaría el espíritu más patriótico del mismo. Las influencias musicales en Elgar no provenían de Inglaterra, sino de la Europa continental. Se sentía un extraño tanto musical como socialmente. Los círculos musicales estaban dominados por sectores académicos y él era un compositor autodidacta, en la Gran Bretaña protestante su catolicismo era visto con recelo en ciertos sectores; y en la clasista sociedad británica victoriana y eduardiana, ya que Elgar era muy sensible a sus orígenes humildes, incluso después de lograr reconocimiento. Sus variaciones sobre un tema original representan ese mundo feliz y apacible. En esta obra del programa dual que estamos interpretando en estos dos días seguidos nos encontramos hoy con las postrimerías del romanticismo decimonónico que daría paso a todo un posromanticismo musical que conviviría toda la primera mitad del siglo XX con las vanguardias que la modernidad sonora había anunciado durante La Belle époque. Las Variaciones Enigma llevan dentro de sí tres acertijos. La primera son las iniciales de cada variación que anuncian un personaje amigo del propio autor. Primer enigma resuelto si sabemos quién es el personaje. Segundo enigma el tema que da pie a las variaciones de quien es; si es original como reza el título, o no. El compositor se lo contó solo a tres personas el secreto, quienes se lo llevaron a la tumba. En las notas para el programa de mano del estreno (como las que hoy se presentan aquí), Elgar dijo: “no explicaré el enigma, su ‘oscuro decir’ debe de permanecer imaginado y les advierto que la aparente conexión entre las variaciones y el tema a menudo es de la textura más sutil; además a través y por encima de todo conjunto ‘va’ otro tema más grande, pero no se ejecuta…de manera que el tema principal nunca aparece”. Desde entonces musicólogos, estudiosos y público en general se han estado preguntando por la entidad del tema del enigma. Elgar admitió: “el tema es tan famoso que me extraña que nadie lo haya descubierto”. Así que una veda se abrió, con musicólogos buscando coincidir en contrapunto tal vez, famosas melodías desde Wagner hasta Chopin; incluso canciones populares como God Save the Queen, pero nada se encontró como prueba irrefutable. Segundo enigma hasta la fecha no desentrañado y un tercer enigma subyace. Puesto que el compositor revelo al menos las iniciales del personaje que hay detrás de cada tema, ¿cuál es exactamente el significado del tema? Elgar reconoció al final que detrás del tema estaba él. Su biógrafo traslada que las cuatro primeras notas de apertura del tema corresponden con las sílabas ‘Edward El-gar’. Pero tampoco este tercer enigma es al día de hoy definitivamente confirmado. A pesar que Elgar en su obra posterior Los Hacederos de Música cita este tema para ilustrar la soledad del artista. La soledad del artista que tras un periodo brillante del progreso humano interrumpiría en la sociedad con la I Guerra Mundial y cuyas consecuencias un siglo después seguimos padeciendo. Sendos conciertos son para acercarles a ustedes melómanos, la música como palanca del cambio y el progreso humano en busca de nuevas metas para satisfacer el momento histórico y de realización personal a través de las emociones humanas ejemplificadas en los movimientos artísticos. Esperando que sendas propuestas de concierto bajo el título La "Belle époque" y la modernidad musical: sutileza y brío sonoro de estos programas de concierto que aparte de ser histórico pretende ser evocador, y por lo tanto, le pueda acercar a aquel momento histórico. Lo que se pretende es crear persuasiones sonoras bajo el flujo de la historia, más que descripciones del proceso creador como un ramillete de hechos. Influir en su sensibilidad como agente apreciador de la música, como un aglutinante general del devenir de la humanidad y no como un elemento humano. Si esta nota al programa le sirve de guía y el programa en sí de estímulo intelectual en todas sus acepciones habrá sido el objeto de estas notas al programa, de las obras que ilustran dichas notas que interpreta para ustedes su Orquesta Sinfónica Nacional junto a este director invitado.

V CONCIERTO DE TEMPORADA OFICIAL

La Orquesta Sinfónica Nacional, Patrimonio Cultural de la Nación presenta el V Concierto de Temporada Oficial el jueves 13 de julio en la Basílica de Santo Domingo, 10 calle y 12 avenida zona 1, a las 20:00 horas. Preventa en las oficinas de la OSN, edificio del Conservatorio Nacional de Música, Germán Alcántara, 3era avenida, 4-61, zona 1, entrada por la 5a. calle. Entrada Q 50.00 F.LISZT Los Preludios S.97 S.PROKOFIEV Sinfonía 5 OP.10 Notas al programa de mano por: Ernesto E. Calderón Los Preludios No. 3 S. 97 - Franz Liszt Franz Liszt es el creador de la forma “Poema Sinfónico”, a la cual pertenece “Los Preludios”, que es la tercera obra de una serie de 12, compuestas por Liszt durante sus años de trabajo en Weimar, dedicadas a la princesa Carolyne Sayn-Wittgenstein. Los Preludios deben su nombre a la referencia poética de una oda escrita por Alphonse de Lamartine titulada “Meditaciones Poéticas”, cuyo tema destila lo que ocurre en la vida de un joven desde su ilusión y amor de juventud a través de la árida realidad del trabajo y las vicisitudes de la guerra cuyos caminos llevan a la aceptación personal y crecimiento emocional y espiritual. El poema sinfónico es una pieza para orquesta sinfónica compuesta en un solo movimiento y que describe o infiere a la idea poética de un referente literario o extra musical. Liszt siempre defendió la idea de que más que la descripción per sede la poética o narrativa, los poemas sinfónicos traducen a música la idea metafórica del contenido literario. La música es estimulante y evocativa desde los pizzicatos iniciales, luego de los que se expone el motivo originario de todo el poema sinfónico en solamente “tres notas”. El uso de todas las secciones de la orquesta en una fenomenal amalgama es muestra de un gran dominio de la orquestación que construye un discurso que llega a diversos climax con el uso de la sección de vientos metal en sobrecogedores tutti, luego de los que generalmente la cuerda recoge la iniciativa primigenia y la desarrollan junto al resto de la orquesta. La melodía es conducida magistralmente a través de las secciones, buscando siempre relajar las tensiones producidas por los temas antecedentes. Es una fantástica obra, que por mucho es la más popular entre los poemas sinfónicos del compositor, y de todos los tiempos, no solamente considerando a Liszt. Sinfonía No. 5 - Sergei Prokofiev Un dato importante de esta sinfonía es que su estreno fue la última vez que Prokofiev dirigió una orquesta, en esta ocasión, la Orquesta Sinfónica Estatal de la URSS, esto sucedió en el Auditorio del Conservatorio de Moscú el 13 de enero de 1945. Posteriormente el compositor sufrió una fuerte caída que le dejó parcialmente lisiado, condición que le acompañó los últimos años de su vida. El hecho histórico que marcó la composición de la Quinta Sinfonía, fue la victoria final del ejército ruso sobre el dominio Nazi, es por ello que algunos historiadores le han bautizado como Sinfónica de Guerra. Muchos de los sentimientos producidos por la guerra están plasmados en la composición, aunque no de forma programática, pueden metaforizarse algunos momentos del discurso musical con la tristeza de la muerte y la alegría de la victoria, por ejemplo. A mi consideración, además de ser de las más conocidas obras del músico, también es de los trabajos mejor logrados y con mayor contenido. Lo anterior pudo haberse debido a que Prokofiev dejó un largo tiempo, de más de quince años sin componer en formato sinfónico, hasta empezar con este score. La estructura de la obra es muy convencional, el primer movimiento tiene una forma sonata muy clara en la que se exponen principalmente dos temas diferenciados. El segundo movimiento es un movimiento ternario con una agógica scherzo que combina la exposición lírica del clarinete sobre una base de cuerda que hace las veces de acompañamiento rítmico. El tercer movimiento también tiene forma ternaria, pero ahora con una agógica adagio. Se distingue de los otros por su notorio carácter ruso y expresividad climática. El cuarto movimiento es también una forma sonata en la que destaca la exposición del primer tema del primer movimiento que conlleva a un desarrollo caracterizado por contener variadas y numerosas melodías que regresan al primer tema seguido de una intensa coda final. Director invitado DAVID HANDEL Aclamado en cuatro continentes por su liderazgo musical y por el público. David Handel es reconocido por ser uno de los más significativos directores. Un ciudadano del mundo, Handel ha sido descrito por la prensa internacional como una persona decisiva, quien tienen una mágica conexión entre la música, músicos y dirección.- Hizo su debut en Moscú en 2010 en el Teatro Svetlanov, lo cual lo llevó a un inmediato encargo y pronto fue nombrado Director Huésped de la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Moscú-Orquesta Filarmónica Rusa.- Graduado de la Universidad de Michigan, Handel recibió su grado de Licenciatura en Artes Musicales con especialización en violín, filosofía y composición y una Maestría en Dirección Orquestal. Entre sus Maestros estuvieron Gustav Meier, Kurt Masur, Elizabeth Green, Rugiero Ricci. Poco antes de recibir su grado Académico de Dirección Orquestal, Masur lo seleccionó para ser su asistente en la Orquesta del Gewandhaus de Leipzig, y más tarde, el mismo Masur le invita como Director Huésped en la Orquesta Filarmónica de Nueva York. Entre los solistas que ha dirigido se puede mencionar a Schlomo Mintz, Walter Ponce, Pepe Romero, Rachel Barton-Pine, Peter Donahoe, Rafael Gintoli, Alexander Ghidin y estrellas del Teatro Bolshoi de Moscú, entre otros.- Durante su juventud, Handel fue nombrado Director Titular de la Orquesta Sinfónica Nacional de Bolivia, cargo que tuvo durante 14 años, durante los cuales en su gestión se caracterizaron por elevar el nivel de la orquesta e incrementar el número de asistentes a los conciertos de la misma. Durante su gestión en este país logró que la Orquesta Sinfónica Nacional de Bolivia fuese un modelo de organización en América Latina. Su imaginación para programar e iniciativa fueron un objeto de perfil para la Radio Pública Nacional de Estados Unidos y para el mundo de Servicio BBC y Rusia, solo por mencionar algunos ejemplos.. Handel también ha servido como Director Musical de la Orquesta Sinfónica de Mendoza (Argentina), como Director Fundador Artístico de la Orquesta de Guadalquivir y también fue Asesor Artístico de la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala en el 2000. También ha tenido puestos de Asesor Artístico en la Orquesta de La Serena en Chile, y Director Principal Invitado de la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Moscú- Filarmónica de Rusia. Extremadamente variado, el repertorio de Handel expande mucho mucha literatura tanto sinfónica y operática. Ha hecho también muchos estrenos mundiales de obras, así como también ha comisionado más de 70 encargos y arreglos orquestales, y ha hecho muchas grabaciones de televisión y CDS. Handel es laureado el programa de Artistas de Chicago y ha tenido numerosos reconocimientos, entre los cuales se puede mencionar el Premio Pro-Santa Cruz en Cultura en Bolivia, la Medalla de Honor Pedro D. Murillo en Bolivia. Ha representado a los Estados Unidos como Embajador Cultural en el Departamento de Estado Americano y en Programas Diplomáticos Públicos. Como un Cultural Diplomático, Handel se ha presentado en muchos escenarios internacionales importantes. Es uno de los pocos directores que se ha presentado en Cuba durante los últimos años. Fue condecorado por el Presidente de Bolivia con el Escudo de Armas por sus contribuciones Culturales a ese país. Como Artista de Grabación para la casa Naxos, sus proyectos incluyen grabaciones de obras de Alberto Ginastera, Anton Rubinstein,George Gerschwin e Isaac Albeniz. Ha hecho grabaciones del compositor Americano David Winkler para esa casa disquera.

La Orquesta Sinfónica Nacional presenta su V Concierto de Temporada Extraordinaria en la Basílica de Santo Domingo,

10ª. calle y 12 avenida, zona 1, el jueves 22 de junio a las 20:00 horas. Entrada Q50.00. Preventa a partir del lunes 19 de junio de 10:00 a 16:00 en las oficinas de la Orquesta Sinfónica Nacional, 3era avenida, 4-61, zona 1, entrada por la 5ª. calle. REPERTORIO • L.V. BEETHOVEN___________________________ Obertura “Leonore III” • W.A.MOZART _____________________Sinfonía Concertante para Violín y Viola K.364/320d I. Allegro maestoso II. Andante III. Presto Solistas invitadas: Andrea Galdámez (Violín), Astrid Marroquín (Viola) • J. BRAHMS_____________________Concierto doble para Violín y Violonchelo Op. 102 I. Allegro II. Andante III. Vivace non troppo Solistas invitados: Álvaro Reyes (Violín), Giovanna Moraga Clayton (Violonch Director invitado Robert Debbaut Robert Debbaut es Doctor en Música (Dirección Orquestal) por la Universidad de Michigan y posee también títulos de la Universidad de Missouri y la Universidad del Sudeste del Estado de Missouri. Entre 1988 y 1990, gracias a una beca de la Universidad de Michigan (Ann Arbor), estudió y fue asistente del Mtro. Gustav Meier, bajo la guía del cual siguió estudios también en el Centro de Música de Tanglewood. El maestro Debbaut ha participado en clases magistrales, talleres, ensayos de orquesta, seminarios y audiciones ha conduciado la Orquesta Civica de Chicago, Orquesta de Cámera de la Filharmónica Checa, la Orquesta de Louisville, la Sinfónico Nuevo Mondo (Miami), la Sinfónico de Virginia, Pärnu Linnaorkester (Estonia), las Orquestas Sinfónicas Juveniles de Saint Louis y de Cleveland asi como la Orquesta de Oregon en el Festival de Bach. En esta última institución fue asimismo en 1990 el primer ganador de la beca Maurice Abravanel. El maestro Debbaut ha estudiado también con maestros de la talla de Daniel Barenboim, Helmuth Rilling, Ernest Tarrasch, Gustav Meier, Maurice Abravanel y Neeme Järvi, con quien trabajó por dos semanas en julio del 2000 en el Festival "David Oistrakh" de Pärnu, Estonia. El Sr. Debbaut fue el único norteamericano entre los siete directores escogidos para recibir premios de manos del Mtro. Järvi y del Festival "David Oistrakh." Director liberal que reside en el área de Chicago ha ocupado puestos como Director de la Orquesta Sinfónica de Salt Lake, La Orquesta Civica de Kansas City, La Sinfónica Juvenil de Kansas City, La Opera Regional de Springfield (Missouri), El Festival de Mozart de Utah, además de ser fundador y director del Conservatorio Mozarteum de Kansas City. Adicionalmente el Maestro Debbaut se ha desempeñado como Professor asistente y Director de Orquestas de las universidades de Utah, Akron, y Minnesota y Conservatorio de Lawrence in Wisconsin in Estados Unidos. Como Director invitado Robert Debbaut se ha presentado en conciertos con la Orquesta Sinfónica de Milwaukee y también con la Ópera Cómica de Ann Arbor, la Sinfónica de Dearborn, la Sinfónica de Hartford, Filharmonia Bohemiana del Norte (Republica Checa), Filharmonia Sudecka (Polonia; dos veces y tambien in 2006-2007), Orquesta de Cámera de Novgorod (Rusia), Orquesta Classica de Sancto Petersburg (Rusia), Orquesta Filharmonica de Chicago, Orquesta Sinfónica de Yaroslavl (Rusia), Orquesta Sinfónica de Kharkov (Ucrania), la del Teatro del Opera de DePaul Universidad, la Sinfónica de Salt Lake, La Orquesta del Conservatorio de Shanghai (China), la Orquesta Sinfónica de San Juan, la Sinfónica de Utah, tres veces con la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala y tres veces con la Ópera de Utah y Orquesta de Cámara de Chicago. Los compromisos del maestro Debbaut para el presente año incluyen conciertos en la Republica Checa con Filharmonia Bohemiana del Norte, en Polonia con Filharmonia Sudecka y tambien con la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala en 2005-2006 con otros conciertos en Egipto, Italia, la Republica de Checa, la Republica de Slovacia, Rusia y también con L'opera de Kharkov y la Orquesta Sinfónico de Kharkov en Ucrania. Astrid Marroquín / Viola Inició sus estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Música “Germán Alcántara” en 2005. Ha participado en diversas orquestas como viola principal y tutti en la Orquesta del Conservatorio, Orquesta Jesús Castillo, Orquesta Festival, Orquesta del Festival Saint Malo (Panamá), OJCA (El Salvador, Panamá) y JOCCA (Honduras), entre otras. Ha recibido masterclasses con maestros como Craig Mumm (EEUU), Martin Stegner (Filarmónica de Berlín) y Emile Cantor (Holanda – Alemania). Ha participado en diversos grupos de cámara incluyendo actualmente el Cuarteto Guatemala. Graduada Cum Laude en la Universidad Galileo como Licenciada en Música con Especialidad en Instrumento. Desde 2012 es parte de la sección de violas de la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala. Andrea María Galdámez Castillo / Violín Inicia sus estudios de violín y piano desde muy temprana edad en el Conservatorio Nacional de Música "Germán Alcántara", obteniendo el título de Bachiller en Arte especializado en violín. Ha participado en diversas agrupaciones orquestales y de Cámara dentro y fuera del país así como en festivales y encuentros juveniles. Es egresada de la Universidad Galileo como Licenciada en Música con especialización en ejecución de instrumento. Actualmente es principal del registro de violines segundos de la Orquesta Sinfónica Nacional. Giovanna Moraga Clayton / Violonchelo Como hija de músicos profesionales, Giovanna Moraga Clayton estaba destinada a tener una vida en la música. "¡Va a ser violonchelista!", Una exclamación hecha por su padre a las pocas horas de su nacimiento estableció el camino para su futuro. Nacida en Toluca México y criada en California Giovanna obtuvo varios premios como joven violonchelista. Haciendo su debut como solista a la edad de 14 años. Giovanna tiene posiciones permanentes con la Orquesta de Cámara de Los Ángeles, así como la Orquesta de Hollywood Bowl. Trabajando en la escena de los estudios de cine de Los Angeles durante los últimos 14 años, Giovanna ha tocado en innumerables bandas sonoras de películas, discos de artistas y programas de televisión. En busca de un proyecto más desafiante Giovanna se convirtió en miembro fundador del grupo nominado al Grammy Latino, Quattro. Touring con el grupo, ahora conocido como Quattrosound, ha proporcionado una nueva plataforma para que ella amplíe su alcance musical. Músico consumada y respetada en el mundo clásico, Giovanna está ganando popularidad en el mundo de la música contemporánea como cantante y compositora. Ha compartido escenarios con muchos grandes incluyendo Yo-Yo Ma, Pinkas Zuckerman, Daniel Esperanza, Bocelli, Prince, Beyonce, Adele y muchos más. Álvaro Reyes / Violín Egresado del Conservatorio Nacional de Música de Guatemala como Bachiller en Arte con especialización en Violín en el 2008, Licenciado en Música y actualmente obtuvo el Diplomado en Música de Cámara en la Universidad Galileo. Actualmente ocupa el puesto de Primer Asistente de Violín Concertino de la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala. Ha recibido clases con importantes maestros de Guatemala, Finlandia, Alemania, España, Canadá, Cuba y Estados Unidos. En 1998 asiste al “Festival Unión de las Artes” en Guama, Estado de Yaracuy, Venezuela. Ha sido representante de Guatemala con la “Orquesta Juvenil de las Américas” (YOA) en 2002 al 2008, 2009 y 2011 donde ha participado con músicos de toda América en varias giras por Norte América, Centro América, Sudamérica, Europa y China con importantes solistas y directores como Yo Yo Ma, Rachel Barton Pine, Antonio Meneses, Leonard Slatkin, Benjamin Zander, Gustavo Dudamel, Carlos Miguel Prieto, Alex Klein, José Serebrier Y Valery Gergiev. Fue Violín Concertino de la Orquesta Sinfónica Juvenil “Jesús Castillo” bajo la batuta del maestro Igor Sarmientos Ganador del Primer Lugar del Concurso Nacional de Ejecución Musical “Mención Violín” 2005, organizado por la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala. Ha participado como solista invitado en varias ocasiones con la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala bajo la batuta de directores como Carlos Amat, Luis Gabriel Biava, Enrique Anleu Díaz, Martin Jorge, Joaquín Orellana y Norman Gamboa. Y demás orquestas en el país .Fue profesor de la cátedra de Violín en el Conservatorio Nacional de Música y de la Escuela Municipal de Música. Participó en un intercambio como profesor para dar clases a niños y jóvenes del “Yours Project” en Chicago Illinois. En 2009 fue representante de Guatemala con la Orquesta Juvenil Iberoamericana en una gira por España y Portugal. En febrero de 2010 participó en un encuentro en Nueva York con la Orquesta Juvenil de las Américas donde se presentó en el afamado Carnegie Hall con el violinista Joshua Bell. Nombrado “Artista Mundial” por la Embajada de Guatemala en Corea del Sur en 2010. Recibió en el 2014 la medalla “Artista del Año”. Notas al programa de mano por Ernesto E. Calderón Obertura Leonora III – L. v. Beethoven La obertura Leonora III pertenece a una de las óperas más emblemáticas de la historia de la música. La ópera es conocida en tres diferentes versiones, el primer título es Leonora, el segundo es Leonora - “la victoria del matrimonio o del amor conyugal” - y finalmente Fidelio, que es la versión que se interpreta a partir de 1814. Al igual que las versiones de la ópera en su totalidad, la obertura tiene al menos cuatro versiones diferentes, de las cuales escucharemos esta noche “Leonora III”, la versión previa a la definitiva que lleva el nombre de Obertura “Fidelio” La ópera es una joya de la literatura, cuyo libreto en alemán pertenece a Joseph F. Sonnleithner, basado en el texto original en francés de Jean-Nicolas Bouilly. El tema es exquisito, pues Leonora, vestida de hombre y con el nombre de Fidelio entra a trabajar a la casa de uno de los carceleros de su esposo Florestan, quien ha sido apresado por su enemigo “Don Pizarro”. Aprovechándose de una treta, pues la hija del carcelero donde trabaja Fidelio está enamorada de él/ella, Leonora logra visitar a su esposo en las mazmorras de la cárcel justo cuando Don Pizarro planeaba matarlo; entonces Fidelio se muestra como Leonora y amenazando con una pistola a Don Pizarro logra persuadirlo. Al momento entra un visitante importante - “El Ministro” - y los carceleros salen a recibirlo, finalmente Florestan y Leonora están juntos de nuevo y saliendo al patio de los prisioneros logran que Don Pizarro sea encarcelado por orden del Ministro y Florestan es liberado. Al final del último acto todos cantan por la bravura y coraje de Leonora y reconocen la victoria del amor. La premier de la ópera fue un fracaso para Beethoven, entonces empezó su carrera por las revisiones posteriores, que desembocaron principalmente en el cambio total de las oberturas. Su reestreno en la tercera versión fue finalmente un gran éxito para la única ópera de Beethoven. Sinfonía Concertante para Violín y Viola K.364/320d – W. A. Mozart Esta obra es especialmente importante para la historia de la música, pues marca la separación de dos géneros predominantes en la música académica universal, la sinfonía y el concierto. Por su parte, la sinfonía, carece de solista y el concierto siempre lleva uno sólo; por lo tanto la sinfonía concertante es un estilo híbrido de composición en el que un grupo de solistas son acompañados por un ensamble orquestal. La Sinfonía Concertante para Violín y Viola es un claro ejemplo del desarrollo de la calidad de las orquestas europeas contemporáneas a Mozart, pues esta pieza exige un detallado cuidado en las dinámicas. Esto último gracias a la influencia del trabajo de los compositores de la Escuela de Mannheim, principalmente la familia Stamitz, con su estilo de progresivos cambios en el volumen creados por el conglomerado orquestal en su conjunto y no logrados con la simple suma o supresión de instrumentos, tal como se hacía en el barroco. El título original es “Gran Sexteto Concertante”, pues Mozart tomó la totalidad de los instrumentos involucrados como ensamble concertante, aunque al frente de la orquesta hubiese sólo un violinista y un violista solistas. El grupo concertante está formado por una sección de violines primeros (1), una sección de violines segundos (2), una sección de violas (3), una sección de cellos y bajos (4), violín solista (5) y viola solista (6), conformando así es sexteto. Mucho se dice tradicionalmente en contra de la viola, pero en este trabajo Mozart demuestra su predilección por el instrumento y lo eleva a la categoría de solista, puesto que en ese tiempo era casi sólo reservado para el violín. Originalmente la parte de la viola estaba escrita un semitono más bajo, por lo que la viola debía afinar un semitono hacia arriba, permitiéndole una sonoridad más brillante. La práctica anterior aún es acostumbrada si se toca en instrumentos de la época, pero es más común que la viola ahora toque en mi bemol mayor, que es la tonalidad de toda la obra. Concierto Doble para Violín y Cello Op. 102 – J. Brahms Este concierto es el culmen de las obras en formato orquestal de Brahms, y no porque haya estado cercano a su retiro o muerte, sino existe la posibilidad de que la mala recepción de este concierto doble para violín y cello desanimara al compositor al extremo de preferir ya no componer materiales sinfónicos. La realidad no la conocemos a ciencia cierta, pero lo que sí es cierto, es que Brahms compuso únicamente música de cámara luego de acabar este último concierto en formato orquestal. Debemos contextualizar el momento musical que recibió el estreno de esta obra. Definitivamente discurría un tiempo en el que gobernaba el romanticismo visceral y hasta recalcitrante en la música, esto también influía en la clase de discurso que los solistas exponían en los conciertos de la época, por lo tanto, los solistas debían ser no solamente virtuosos del instrumento sino inclusive “malabaristas” con “recio carácter”, con tanto como para sobresalir expresa y contundentemente sobre el acompañamiento orquestal. Caso contrario escucharemos en el concierto doble para violín y cello de Brahms, cuyas texturas solisticas son más discursivas que exponenciales. Primero debe considerarse que la combinación de estos instrumentos solistas no es común, un referente magnífico es el concierto triple de Beethoven: piano, violín y cello. La combinación violín y cello contrapone dos sonoridades completamente diferentes, por un lado el brillante, exhuberante y potente violín y por otra el expresivo, pero menos proyectado cello. Brahms logró una perfecta mezcla de sonoridades del violín, cello y orquesta utilizando muchísimos recursos compositivos como el polifonismo que sienta tan bien para determinar la importancia de todas las líneas sonoras del discurso de este concierto. Finalmente acotaremos que el concierto fue dedicado a un entrañable amigo de Brahms, quien le ayudó mucho al principio de su carrera, el violinista Joseph Joachim. Brahms era amigo íntimo de la familia Joachim, al grado de que cuando el violinista fue tachado por sospechas de infidelidad por su esposa, Brahms expresó por medio de una carta a Amelie Joachim, todo su apoyo. Esto enfureció a Joseph, tanto que rompió su amistad con Brahms, así que la partitura de este concierto sirvió para la reconciliación de los viejos amigos, inclusive Brahms entregó la partitura a Joachim con la inscripción “para aquel para el cual fue compuesto”.